6 Artis Wanita Ikonik Yang Perlu Anda Tahu

mak , sebuah arca oleh artis Louise Bourgeois

Maman, arca oleh artis Louise BourgeoisArt History Walk of Fame diturap dengan nama artis lelaki, tetapi mula mengumpulkan lebih ramai artis wanita. Persepsi umum tentang seorang mahaguru dan karya maskulin sangat dipengaruhi oleh fakta bahawa rakan sejawat wanita mereka hampir hilang sepenuhnya dalam buku sekolah kami dan di galeri muzium yang paling penting.

Artis Wanita Hari Ini

Dalam industri filem, kurang perwakilan wanita dalam peranan utama sebagai pengarah dan penerbit telah menyebabkan banyak gelombang kemarahan dalam beberapa tahun kebelakangan ini. Hashtag yang dibesarkan di media sosial seperti #OscarsSoMale menunjukkan bahawa terdapat permintaan yang tinggi untuk lebih keterlihatan wanita.

Perkara yang sama berlaku untuk industri seni, walaupun bantahan tidak sekuat di Hollywood. Salah satu sebabnya mungkin kerana, sekurang-kurangnya dalam seni moden dan kontemporari, terdapat peralihan yang lebih perlahan dan lebih mantap ke arah mewakili lebih ramai wanita. Seawal tahun 1943, Peggy Guggenheim menganjurkan pameran semua wanita di galeri terkenalnya di New York Seni Abad ini , termasuk sumbangan daripada Dorothea Tanning dan Frida Kahlo . Usaha perintis ini, dipanggil 31 Wanita , adalah yang pertama seumpamanya di luar Eropah. Sejak itu, banyak yang berubah. Hari ini, terdapat banyak galeri yang mewakili lebih ramai artis wanita. Selain itu, terdapat lebih ramai wanita menyumbang di festival seni berprestij dan mereka memenangi anugerah penting.

Keletihan Besar, Camille Henrot, 2013, melalui camillehenrot.fr

Walau bagaimanapun, artis wanita masih kurang diwakili dalam landskap muzium. Syarikat maklumat pasaran seni Artnet mendedahkan dalam analisis bahawa antara 2008 dan 2018, hanya 11 peratus daripada semua kerja yang diperoleh oleh muzium terkemuka Amerika adalah oleh wanita. Oleh itu, apabila bercakap tentang pemahaman sejarah seni, masih banyak kerja yang perlu dilakukan untuk meningkatkan keterlihatan artis wanita dan karya mereka.

Berikut ialah gambaran keseluruhan artis wanita kegemaran saya di seluruh sejarah seni, sehingga hari ini, yang saya hargai kerana penguasaan mereka dalam pelbagai media, untuk pemikiran konseptual mereka, untuk rawatan mereka terhadap topik berpusatkan wanita dan dengan itu, untuk mencipta œuvre yang luar biasa dan unik .

Camille Henrot

Artis wanita kontemporari kelahiran Perancis, Camille Henrot terkenal kerana bekerja dengan media yang berbeza daripada filem hingga himpunan dan arca. Dia juga telah menceburi Ikebana, teknik gubahan bunga tradisional Jepun. Walaupun apa yang menjadikan kerjanya benar-benar luar biasa adalah keupayaannya untuk menggabungkan idea yang kelihatan bercanggah. Dalam karya seninya yang kompleks, dia menetapkan falsafah menentang budaya pop dan mitologi menentang sains. Idea asas yang merangkumi semua karya seninya tidak pernah terlalu jelas. Camille Henrot adalah pakar dalam membungkus sesuatu dengan elegan, mencipta suasana yang halus dan mistik. Hanya selepas membenamkannya barulah anda boleh menyambungkan titik-titik tersebut.

Untuk menggambarkannya dengan baik, mari kita ambil contoh: Antara 2017 dan 2018, Camille Henrot mempamerkan Carte Blanche di Palais de Tokyo di Paris, bertajuk Hari adalah Anjing . Dia mempersoalkan hubungan pihak berkuasa dan fiksyen yang menentukan kewujudan kita, dan mengambil salah satu struktur yang paling asas dalam hidup kita - minggu itu - untuk menganjurkan pamerannya sendiri. Walaupun tahun, bulan dan hari distrukturkan oleh alam semula jadi, minggu, sebaliknya, adalah fiksyen, ciptaan manusia. Namun naratif di sebaliknya tidak mengurangkan kesan emosi dan psikologinya kepada kita.

The Pale Fox, Camille Henrot, 2014, fotografi oleh Andy Keate melalui camillehenrot.fr

Di salah satu bilik, Camille Henrot mempamerkan pemasangannya Musang Pucat , yang sebelum ini telah ditauliahkan dan dihasilkan oleh Galeri Chisenhale. Dia menggunakannya untuk mewakili hari terakhir dalam seminggu - Ahad. Ia adalah persekitaran yang mengasyikkan yang dibina di atas projek Camille Henrot sebelum ini Grosse Fatigue (2013) - sebuah filem yang dianugerahkan dengan Singa Perak di Venice Dwitahunan ke-55. Walaupun Grosse Fatigue menceritakan kisah alam semesta dalam tiga belas minit, The Pale Fox adalah meditasi tentang keinginan kita bersama untuk memahami dunia melalui objek yang mengelilingi kita. Dia mengumpul bahan peribadi dan menimpanya mengikut lebihan prinsip (arah kardinal, peringkat kehidupan, prinsip falsafah Leibniz), mencipta pengalaman fizikal malam tanpa tidur, psikosis pengkatalogan. Di laman webnya, dia menyatakan bahawa dengan The Pale Fox, saya berhasrat untuk mengejek tindakan membina persekitaran yang koheren. Di sebalik semua usaha dan niat baik kami, kami sentiasa berakhir dengan kerikil yang tersangkut di dalam satu kasut.

Adakah anda menikmati artikel ini?

Daftar ke Surat Berita Mingguan Percuma kamiSertai!Memuatkan...Sertai!Memuatkan...

Sila semak peti masuk anda untuk mengaktifkan langganan anda

Terima kasih!

Haris Epaminondas

Fokus kerja artis Cyprus tertumpu pada kolaj yang luas dan pemasangan berbilang lapisan. Untuk pameran antarabangsa di Biennale Venice ke-58 , dia menggabungkan bahan yang ditemui seperti arca, tembikar, buku atau gambar, yang digunakannya untuk membina salah satu pemasangan cirinya dengan teliti.

Vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fotografi oleh Tony Prikryl

Sama seperti Camille Henrot, gubahannya tidak mendedahkan maksud asasnya dengan serta-merta. Walau bagaimanapun, apa yang membezakan kerjanya daripada Camille Henrot ialah dia tidak membenamkan objeknya ke dalam naratif yang kompleks dan teori konseptual. Sebaliknya, pemasangannya disusun dengan cara yang jauh lebih mudah, menimbulkan rasa tertib minimalis. Hanya selepas melihat lebih dekat pada objek individu, anda akan melihat percanggahan di sebalik estetika yang kelihatan sempurna. Untuk gubahannya, Haris Epaminonda menggunakan objek ditemui yang dalam pemahaman tradisional, akan sama sekali pelik antara satu sama lain. Sebagai contoh, anda boleh menemui pokok Bonsai berdiri di sebelah lajur Yunani dengan cara yang hampir semula jadi. Artis itu menjerat objeknya dalam jaringan makna sejarah dan peribadi yang tidak diketahui oleh orang ramai dan, mungkin, dirinya juga. Walaupun Haris Epaminonda tidak mengabaikan cerita tersirat objeknya, dia lebih suka membiarkan mereka menggunakan kuasa mereka secara intrinsik.

VOL. 27hb, Haris Epaminonda, 2019, melalui moussemagazine.it

Untuk video Chimera berdurasi tiga puluh minit, Haris Epaminonda memenangi Venice Biennale ke-58 Singa Perak anugerah sebagai peserta muda yang menjanjikan dan sejak itu, merupakan salah satu bintang menembak antarabangsa seni kontemporari.

Pegangan Akunyili Crosby

Njideka Akunyili Crosby dilahirkan di Nigeria dan kini tinggal serta bekerja di Los Angeles. Semasa remaja, ibunya memenangi loteri kad hijau, membolehkan seluruh keluarga berpindah ke Amerika Syarikat. Dalam lukisannya, Akunyili Crosby menggambarkan pengalamannya sebagai ahli diaspora Nigeria kontemporari. Pada permukaan kertas yang besar, dia menggunakan beberapa lapisan untuk menggambarkan potret dan dalaman domestik, menyandingkan kedalaman dan kerataan.

Artis wanita ini bekerja dengan teknik media campuran yang mengandungi pemindahan fotografi, cat, kolaj, lukisan pensel, habuk marmar dan fabrik, antara lain. Dengan cara ini, artis mencipta lukisan luar biasa yang menggambarkan tema domestik yang agak biasa di mana dia menggambarkan dirinya atau keluarganya. Kerjanya benar-benar mengenai kontras, baik secara formal mahupun kandungan. Setelah melihat dengan lebih dekat butiran lukisannya, anda akan menemui objek seperti radiator besi tuang yang menunjukkan musim sejuk di New York yang sejuk atau lampu parafin yang diletakkan di atas meja, contohnya, yang diambil daripada kenangan Akunyili Crosby tentang Nigeria.

Mama, Mummy and Mama (Predecessors No. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, via njikedaakunyilicrosby

Walau bagaimanapun, kontras bukan sahaja terhad kepada perkara di atas: Menjelang 2016, permintaan tinggi secara tiba-tiba untuk karya Akunyili Crosby, yang dihasilkannya secara perlahan, mengatasi bekalan. Ini menyebabkan harga karya seninya meletup di pasaran. Ia memuncak dengan salah satu lukisannya dijual di lelongan seni kontemporari Sotheby di November 2016 untuk hampir $1 juta, mencipta rekod artis baharu. Hanya enam bulan kemudian, sebuah karya telah dijual oleh seorang pengumpul persendirian dengan harga sekitar $3 juta di Christie's London dan pada 2018, dia menjual lukisan lain untuk sekitar $3.5 juta di Sotheby's New York .

Louise Bourgeois

Artis Perancis-Amerika itu terkenal dengan arca berskala besarnya, yang paling terkenal ialah labah-labah gangsa raksasa 'Louise Bourgeois Spider' bertajuk Maman yang sentiasa mengembara ke seluruh dunia. Dengan ketinggian sembilan meter, dia telah mencipta gambaran metafora ibunya sendiri yang bersaiz besar, walaupun karya seni itu sama sekali tidak mendedahkan hubungan ibu dan anak yang tragis. Sebaliknya: Arca itu adalah penghormatan kepada ibunya sendiri yang bekerja sebagai pemulih permaidani di Paris. Sama seperti labah-labah, ibu Bourgeois sedang memperbaharui tisu - lagi dan lagi. Oleh itu, artis itu menganggap labah-labah sebagai makhluk yang melindungi dan membantu. Kehidupan terdiri daripada pengalaman dan emosi. Objek yang saya cipta menjadikannya ketara, Bourgeois pernah berkata untuk menerangkan karya seninya sendiri.

Ibu, Louise Bourgeois, 1999, melalui guggenheim-bilbao.eus

Selain mencipta arca, dia juga seorang pelukis dan pembuat cetakan yang prolifik. Pada 2017 dan 2018, the Muzium Seni Moden di New York (MoMA) mendedikasikan retrospektif œuvre artis yang kurang dikenali, dipanggil Potret Terbentang, kebanyakannya memfokuskan pada lukisan, lakaran dan cetakannya.

Kehidupan Dalam Saya, Louise Bourgeois, 2008, melalui moma.org

Mana-mana media yang digunakan oleh artis berbilang bakat itu, Bourgeois kebanyakannya menumpukan pada penerokaan tema yang berkisar tentang rumah tangga dan keluarga, seksualiti dan badan, serta kematian dan tidak sedarkan diri.

Gabriele Munter

Jika anda tahu Wassily Kandinsky , Gabriele Münter sepatutnya nama yang lebih kecil kepada anda. Artis wanita ekspresionis berada di barisan hadapan kumpulan itu Penunggang biru (The Blue Rider) dan bekerja bersama-sama dengan Kandinsky, yang dia temui semasa kelasnya di Sekolah Phalanx di Munich, sebuah institusi avant-garde yang diasaskan oleh artis Rusia.

Potret Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, 1905, melalui Wikimedia Commons

Kandinsky adalah orang pertama yang melihat kebolehan lukisan Gabriele Münter pada awal abad ke-20. Hubungan profesional mereka - yang akhirnya bertukar menjadi peribadi juga - bertahan selama hampir sedekad. Pada masa inilah Gabriele Münter akan belajar bekerja dengan pisau palet dan sapuan berus tebal, menggunakan teknik yang dia perolehi daripada bahasa Perancis. kucing besar .

Dengan kemahiran yang baru diperolehnya, dia mula melukis landskap, potret diri dan dalaman domestik dalam warna yang kaya, bentuk ringkas dan garis tebal. Selepas beberapa lama, Gabriele Münter mengembangkan minat yang lebih mendalam dalam melukis semangat tamadun moden, tema umum untuk artis ekspresionis. Sama seperti kehidupan itu sendiri adalah pengumpulan detik-detik sementara, dia mula menangkap pengalaman visual serta-merta, secara amnya dengan cara yang pantas dan spontan.

Rumah Kuning (Rumah Kuning), Gabriele Münter, 1908, melalui Wikiart

Untuk membangkitkan perasaan, dia menggunakan warna terang dan mencipta landskap puitis yang kaya dengan fantasi dan imaginasi. Hubungan Gabriele Münter dan Kandinsky sangat mempengaruhi kerja artis Rusia. Dia mula mengamalkan penggunaan warna tepu Gabriele Münter dan gaya ekspresionisnya dalam lukisannya sendiri.

Hubungan mereka berakhir apabila Kandinsky terpaksa meninggalkan Jerman semasa Perang Dunia Pertama dan dengan itu, dia terpaksa kembali ke Rusia. Sejak itu, kedua-dua Gabriele Münter dan Kandinsky meneruskan kehidupan yang terpisah antara satu sama lain, tetapi pengaruh bersama mereka terhadap karya masing-masing kekal.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp mungkin salah seorang artis wanita yang paling berbakat dalam sejarah seni. Dia bekerja sebagai pelukis, pengukir, tekstil dan pereka set dan sebagai penari, antara lain.

Reka bentuk set untuk König Hirsch (The Stag King), Sophie Taeuber-Arp, 1918, gambar oleh E. LinckArtis Switzerland bermula sebagai pengajar untuk sulaman, tenunan dan reka bentuk tekstil di Universiti Seni di Zurich. Pada tahun 1915, dia bertemu dengan bakal suaminya Jean Hans Arp , yang telah melarikan diri dari Tentera Jerman semasa Perang Dunia Pertama dan yang telah menyertai Pergerakan dada . Dia memperkenalkannya kepada pergerakan itu dan seterusnya, dia mengambil bahagian dalam persembahan yang dianjurkan oleh Dadaists dalam Cabaret Voltaire. Dia menyumbang sebagai penari, koreografer, dan dalang. Tambahan pula, dia mereka bentuk boneka, pakaian dan set untuk persembahannya sendiri dan artis lain di Kabaret Voltaire .

Selain membuat persembahan di acara Dada, Sophie Taeuber-Arp mencipta karya tekstil dan grafik yang merupakan antara karya Konstruktivis terawal dalam sejarah seni, bersama-sama dengan karya Piet Mondrian dan Kasimir Malevich.

Gleichgewicht (Balance), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, melalui Wikimedia CommonsSelain itu, dia adalah salah seorang artis pertama yang pernah menggunakan titik Polka dalam karyanya. Sophie Taeuber-Arp mempunyai pemahaman yang cemerlang untuk bentuk geometri yang canggih, untuk abstraksi dan untuk penggunaan warna. Karya-karyanya sering dianggap sebagai perintis dan pada masa yang sama, menggembirakan.

Pada tahun 1943, Sophie Taeuber-Arp meninggal dunia akibat kemalangan di rumah Max Bill. Dia dan suaminya telah memutuskan untuk bermalam selepas hari sudah lewat. Ia adalah malam musim sejuk yang sejuk dan Sophie Taeuber-Arp menghidupkan dapur lama di bilik tamunya yang kecil. Pada keesokan harinya, suaminya menemuinya mati kerana keracunan karbon monoksida.

Sophie Taeuber-Arp dan suaminya Jean Arp telah bekerja sangat rapat bersama-sama semasa pelbagai projek bersama. Mereka adalah salah satu daripada beberapa pasangan dalam sejarah seni yang tidak sesuai dengan peranan tradisional artis dan musenya. Sebaliknya, mereka bertemu di peringkat mata dan sama-sama dihormati dan dihargai oleh rakan artis mereka - Marcel Duchamp dan Joan Miro menjadi dua daripada mereka - dan oleh pengkritik seni untuk karya mereka