Rumah Artis: Ruang Kreatif Dan Studio Seni Pelukis Terkenal

Claude Monet di Giverny , 1920 (kiri), Potret Frida Kahlo , Florence Arquin , 1948, Arkib Seni Amerika (tengah), dan Georgia O'Keeffe , 1968, Galeri Potret Negara, Institusi Smithsonian (kanan)

Persekitaran artis akhirnya boleh menjadi terjalin dengan kerja dan warisan mereka. Claude Monet dikaitkan dengan Giverny, Perancis sebagai Frida Kahlo Coyoacán, Mexico. Melihat artis ini melalui lensa persekitaran mereka boleh membawa kepada pandangan baharu tentang teknik, proses dan kepercayaan artistik mereka. Mari kita buka tirai dan lihat ke dalam rumah dan studio seni pelukis paling berpengaruh dalam sejarah.

The New Mexico Homes and Art Studio of Georgia O'Keeffe

O'Keeffe membuka tirai studionya oleh Tony Vaccaro , 1960, Muzium Georgia O'Keeffe

Tingkap lebar di studio seni Georgia O'Keeffe lihatlah landskap New Mexico yang luas. Landskap inilah yang mula-mula memikat hati O'Keeffe dan akhirnya akan menjadi rumahnya sepanjang hayat dan kerjayanya. Hubungannya dengan tanah itu memberikannya rasa kemerdekaan yang diperbaharui. Ia memberinya keupayaan untuk mencipta ruang yang tersendiri baginya.

Ladang Hantu: Latar Belakang Liar di Barat Daya O'Keeffe

Ladang Hantu, Teras oleh Todd Webb , 1955-1981, Muzium Georgia O'Keeffe

Terdapat dua tempat di New Mexico yang digunakan oleh Georgia O'Keeffe sebagai rumah/studionya. Ghost Ranch, atau Rancho de los Burros, ialah ladang dude di mana orang ramai boleh menyewa bilik dan bekerja di tanah itu. O'Keeffe akan tinggal semasa musim panas dan kembali ke New York untuk melawat suaminya, Alfred Stieglitz, sehingga kematiannya.

Halaman Depan Saya, Musim Panas oleh Georgia O'Keeffe , 1941, Muzium Georgia O'Keeffe

Adakah anda menikmati artikel ini?

Daftar ke Surat Berita Mingguan Percuma kamiSertai!Memuatkan...Sertai!Memuatkan...

Sila semak peti masuk anda untuk mengaktifkan langganan anda

Terima kasih!

Ladang itu terletak di antara lapisan mesa yang lasak dan tanah padang pasir yang rata. Mesa berlapis dengan batu pasir berwarna karat dan sedimen yang terdiri daripada ungu, biru dan kuning. Sebuah padang pasir dipenuhi semak-semak hijau dan pokok-pokok yang menghiasi landskap. Walaupun tanahnya menakjubkan, Ghost Ranch sukar diurus. Ia terpencil tanpa telefon dan mempunyai sistem pengairan yang lemah. Dalam mencari rumah yang subur, namun cantik membawa O'Keeffe ke rumah keduanya.

Abiquiú Homestead: Tempat Alam Bertemu Seni Bina

Rumah Abiquiu, Vigas dan Pintu Studio Georgia O'Keeffe oleh Georgia O'Keeffe , 1964, Muzium Georgia O'Keeffe

Usaha keras menjalankan Ghost Ranch menyebabkan O'Keeffe menemui rumah Abiquiú. Ia dalam keadaan buruk dan pada mulanya tidak boleh didiami, namun O'Keeffe tahu dia perlu memilikinya. Apabila dia melawat hartanah itu, kehadirannya yang penuh teka-teki menarik perhatiannya. Pengubahsuaian itu termasuk menggabungkan seni bina yang dilihat di rantau ini daripada pengaruh Orang Asli Amerika dan Sepanyol. Vigas diperbuat daripada kayu cedar melapisi siling, dan batu bata adobe dibuat dari tanah O'Keeffe sendiri.

Bahagian Dalaman Rumah dan Studio Georgia O'Keeffe oleh Jack Boucher , Perkhidmatan Taman Negara

Tema ini juga merangkumi bahagian dalam rumahnya. O'Keeffe mempunyai skylight, tingkap bergambar dan pintu terbuka untuk membenarkan cahaya semula jadi masuk ke rumahnya. Perabotnya dipadankan dengan dinding adobe yang anggun dan hiasan yang minima. Rumah Abiquiú mencipta kehadiran yang menenangkan berbanding hidupan liar yang lasak di luar pintunya. Ia harmoni dengan landskap liar dan desa di Barat Daya Amerika.

Landskap Mexico Baharu: Tempat Seni Mencerminkan Kehidupan

Rumah Abiquiu Georgia O'Keeffe, Patio oleh Georgia O'Keeffe , 1964 (kiri), dan Pintu Melalui Tingkap oleh Georgia O'Keeffe , 1956,Muzium Georgia O'Keeffe (kanan)

Tanah sekitar padang pasir sangat memberi inspirasi kepada lukisan O'Keeffe dalam kerjayanya. Rumahnya, terutamanya di Abiquiú, adalah linear geometri dengan vigas, dinding adobe licin dan laluannya. Pintu dan tingkap yang terbuka membolehkan cahaya semula jadi masuk menghasilkan bentuk, garisan dan ton yang berbeza. Lukisan-lukisan linear ini mengingatkan lukisannya tentang bangunan pencakar langit moden yang anggun di New York. Perbezaan di New Mexico ialah penggunaan rona bumi semula jadi yang dilihatnya setiap hari di luar tingkapnya.

Walaupun New Mexico masih menarik artis pada masa ini, ia telah menjadi sinonim dengan Georgia O'Keeffe. Ia adalah penggambaran beliau tentang mesa yang megah dan landskap yang luas yang terus membingungkan dan mencipta perbincangan mengenai kerja beliau.

Jackson Pollock dan Studio Seni East Hampton Lee Krasner

Jackson Pollock dan Lee Krasner di padang oleh Wilfrid Zogbaum , 1949, Arkib Seni Amerika, Institusi Smithsonian

Latar langit New York City telah dilalui untuk lembah dan sungai yang damai di East Hampton untuk Jackson Pollock dan Lee Krasner . Pollock, yang mengalami kemurungan dan ketagihan alkohol, memilih untuk tinggal di negara itu jauh dari bandar yang menuntut. Tanah di sekelilingnya dipenuhi dengan padang rumput dan paya dengan pelbagai hidupan liar dan bunga. Mereka memilih rumah yang pernah menjadi milik seorang nelayan dan menukar rumah dan bangsal untuk studio seni mereka. Kawasan luar bandar menawarkan bukan sahaja lebih banyak kebebasan di angkasa tetapi juga keupayaan untuk kedua-dua artis mengembangkan cita-cita kreatif mereka.

Studio Seni: Proses dan Bekalan Pollock

Jackson Pollock oleh Hans Namuth, 1950, Galeri Potret Negara, Institusi Smithsonian

Bangsal itu menawarkan Pollock lebih banyak ruang untuk mencipta lukisan berskala besarnya berbanding New York. Contohnya ialah apabila Peggy Guggenheim menugaskan Pollock untuk mural. Dia dilaporkan merobohkan dinding di apartmennya agar sesuai dengan lukisan berskala besar itu. Ruang yang baru diperoleh itu membolehkannya meletakkan kanvas di atas lantai dan mempunyai ruang untuk bergerak di sekeliling imej. Studio seni ini adalah ruang di mana Pollock mempamerkan teknik lukisannya untuk jurugambar Hans Namuth seperti yang ditunjukkan di atas.

Jackson Pollock di studionya oleh Rudy Burckhardt , 1950, Arkib Seni Amerika, Institusi Smithsonian

Ruang itu akan dipenuhi dengan pelbagai bekalan yang digunakannya. Terdapat tin cat, berus tebal, kain buruk dan bekalan lain seperti yang dilihat dalam foto di atas. Cat rumah atau enamel yang digunakannya sangat cair dan akan terpercik ke lantai di bawahnya. Malah pada hari ini, kesan cat kekal di lantai kayu keras. Pollock akan menggunakan bahan yang tidak konvensional seperti kayu, berus lama atau baster ayam belanda untuk melukis. Dia juga akan menggunakan batu, kaca, tali, atau pasir semasa melukis.

Pengaruh Pemandangan East Hampton

Jackson Pollock, Long Island oleh Martha Holmes , 1949, Majalah Kehidupan

Ia telah diperdebatkan sejauh mana dunia semula jadi memberi inspirasi kepada kerja atau proses Pollock. Walau bagaimanapun, banyak daripada siri Pollock yang dicipta semasa tinggal di East Hampton mempunyai tajuk yang diilhamkan oleh alam semula jadi. Beliau menyiapkan kerja-kerja seperti Irama Musim Gugur (Nombor 30) dan Kabus Lavender (Nombor #). Tajuk sirinya termasuk Bunyi di Rumput dan juga Sungai Accabonac siri, yang dinamakan sempena anak sungai yang mengalir di belakang rumahnya.

Musim oleh Lee Krasner , 1957, Muzium Seni Amerika Whitney, New York

Berbanding dengan Pollock lebih dikenali bahawa Krasner menggunakan alam semula jadi sebagai sumber inspirasi. Lee Krasner Musim adalah lukisan yang dia cipta selepas kematian Pollock. Krasner akan menggunakan studio seni bangsal selepas kematian Pollock tetapi menempelkan kanvas di dinding dan bukannya di lantai. Sapuan berus isyarat dan figura organik membawa kepada idea tentang perubahan musim yang dia akan saksikan. Dia menyiapkan kerja-kerja seperti Milkweed , Cakap Burung , atau Burung Kanan Kiri yang mempunyai imejan atau tajuk yang diilhamkan oleh alam semula jadi.

Kedua-dua Pollock dan Krasner mencipta beberapa lukisan mereka yang paling diingati di East Hampton. Pemandangan itu juga telah menarik artis seperti Willem de Kooning , Roy Lichtenstein , dan Mark Rothko . Ia masih menjadi tarikan bagi pelawat hari ini kerana kaitannya dengan kehidupan kompleks Jackson Pollock.

Rumah Biru Frida Kahlo

Potret Kahlo duduk di luar di teres Rumah Biru, rumahnya di Coyoacán, Mexico oleh Florence Arquin, 195-?, Arkib Seni Amerika, Institusi Smithsonian

Azul de añil ialah cat kobalt terang yang digunakan secara tradisional untuk menghalau roh jahat dan melindungi penduduknya. Ini yang meliputi Frida Kahlo Casa Azul, syurga yang dia cipta. Dindingnya berwarna terang melindungi taman tropika yang subur di tengahnya. Rumah itu dipenuhi dengan objek, tumbuhan, haiwan, dan seni yang dikumpulkan Frida. Objek-objek ini dan rumahnya adalah representasi warisan dan kecintaan terhadap rumahnya, Mexico.

Bilik Tidur: Potret Realiti

Frieda Kahlo di Bilik Tidurnya oleh Bernard G. Silberstein , 1940, Institut Seni Detroit

Bilik tidur Frida adalah tempat di mana dia menghabiskan sebahagian besar hidupnya. Dia dijangkiti polio semasa kanak-kanak dan mengalami pelbagai kecederaan apabila dia cedera dalam kemalangan bas ketika seorang wanita muda. Bapa dan ibu Frida memberinya bekalan seni dan kuda-kuda khas untuk digunakan di atas katil, di mana dia belajar dan berlatih seninya. Di atas katilnya terdapat cermin yang digunakannya untuk melukis potret dirinya.

Impian (Katil) oleh Frida Kahlo , 1940,Koleksi Persendirian

Menjelang akhir hayatnya, dia terkurung di atas katilnya sekali lagi. Masa pengasingan ini menyebabkan Kahlo melukis imej perkara yang mengelilinginya. Ini termasuk keluarganya, objek di dalam bilik tidurnya sendiri, dan, sudah tentu, dirinya sendiri. Dalam kehidupan sebenar, figura rangka Judas berehat di atas katil Kahlo dan muncul dalam lukisan itu Impian . Ia digunakan bukan sahaja sebagai peringatan kematian tetapi juga sebagai simbol kitaran kehidupan yang sentiasa berubah.

Koleksi Diego dan Frida

Frieda Kahlo di Ruang Tamu Diego Rivera dengan Tokoh Yudas oleh Bernard G. Silberstein , 1940, Institut Seni Detroit

Frida dan suaminya, Diego Rivera , mengumpul artifak dan seni rakyat Mexico. Ini termasuk patung kecil, mainan, altarpieces (lukisan mezbah kecil), patung tanah liat dari Metepec, dan patung Judas (atau patung fiesta) yang diperbuat daripada mesin kertas. Angka-angka ini dan penempatan mereka di dalam rumah semuanya mewakili semangat mereka untuk mewujudkan kebanggaan dalam seni dan budaya orang asli. Pengumpulan objek ini mencerminkan Mexico , atau tindakan bangga meraikan nenek moyang dan warisan mereka. Objek ini juga mencipta sambungan untuk Frida dan dunia luar.

Taman: Kelahiran Semula Rumah

Piramid oleh Miguel Tovar, Muzium Frida Kahlo

Apabila Casa Azul menjadi milik Frida dan Diego, ia telah diubahsuai, termasuk taman. Frida juga mengumpul tumbuhan dan memasukkannya ke halaman Casa Azul. Satu item yang luar biasa ialah piramid yang terletak di taman. Ini adalah salah satu daripada beberapa bahagian yang jelas mewakili kehadiran Diego di rumah. Piramid ini berdasarkan piramid di Teotihuacan dan digunakan untuk memaparkan artifak pra-Hispanik. Tumbuhan lain yang terletak di taman termasuk marigold, kaktus, tumbuhan sawit berdaun dan tumbuhan tropika lain yang berasal dari Mexico dan Amerika Tengah/Selatan.

Still Life: Pitahayas oleh Frida Kahlo , 1938, Muzium Seni Kontemporari Madison

Tumbuhan, bunga, dan buah-buahan/tumbuhan adalah imej tetap yang dilihat dalam lukisan Kahlo. Ia digunakan untuk kehidupan mati, latar belakang potret dirinya atau sebagai kacukan manusia/tumbuhan. Imejnya tentang tumbuh-tumbuhan yang tumbuh daripada manusia atau sebaliknya menunjukkan hubungan jalinan antara hidup dan mati. Dia sentiasa merujuk tema ini dalam pelbagai lukisannya seperti lukisan yang ditunjukkan di atas.

Lukisan dan koleksi objek Frida adalah contoh cintanya terhadap budaya asli dan moden Mexico. Keinginan untuk berhubung dengan hubungannya dengan Mexico inilah yang menentukan Casa Azul. Di sinilah kehidupan dan kerjayanya bermula dan di sinilah legasinya terus berkembang hari ini.

Rumah Charleston Vanessa Bell dan Duncan Grant

Duncan Grant oleh Godfrey Argent , 1968, Galeri Potret Negara, London (kiri), dan Vanessa Bell oleh Duncan Grant , 1917, Galeri Potret Negara, London (kanan)

The kumpulan Bloomsbury telah diasaskan pada cita-cita kolektif untuk menolak kekangan masyarakat yang dimulakan oleh ibu bapa Era Victoria mereka. Seni ahli ini dicontohi tidak lebih baik daripada Rumah Charleston di Sussex, England. Tiada dinding, rangka katil, pendiang api atau tab mandi dibiarkan tidak dicat di dalam rumah. Dua orang ahli yang tinggal dan mengecat dalam rumah itu ialah Vanessa Bell dan Duncan Grant . Rumah mereka adalah manifestasi literal idea reka bentuk mereka, serta ekspresi pandangan mereka tentang cara hidup mereka. Rumah itu adalah tempat perlindungan yang terpisah daripada kesempitan masyarakat tradisional yang mereka tolak.

Permukaan Bercat dan Hiasan Charleston

Pintu Bercat dalam Kajian Clive Bell , The Charleston Trust (kiri) dan Bilik Taman, Charleston Trust (kanan), East Sussex, England

Adalah menjadi impian kanak-kanak untuk melukis di dinding rumah mereka tanpa dihukum. Impian ini direalisasikan oleh kumpulan Bloomsbury kerana mereka tidak takut untuk menemui saluran kebebasan artistik. Kedua-dua gaya artistik Bell dan Grant jelas dalam hiasan rumah. Bilik dan objek di dalam rumah dihiasi dalam bentuk yang ringkas, warna yang berani dan sapuan berus yang ekspresif. Subjek berkisar dari kehidupan masih buah-buahan, bunga, atau bentuk manusia. Kerusi, permaidani, sofa, bantal, dan lampu juga direka oleh Bell dan Grant, yang kemudiannya dihasilkan oleh Bengkel Omega .

Studio Duncan Grant, Perapian, Charleston Trust, East Sussex, England

Bell dan Grant menggunakan corak paisley atau cetakan berkotak-kotak dan gabungan bulatan, jalur dan titik untuk mencipta irama antara bahagian rumah yang berlainan. Penggunaan warnanya terdiri daripada kuning sawi, biru langit pucat, oren karat yang kaya atau hijau pudina pucat. Walaupun terdapat pelbagai warna yang digunakan di dalam rumah mereka semua berjaya bertepatan bersama dalam perpaduan. Ini kerana gaya ekspresif mereka yang konsisten dan merupakan bukti penggunaan teori warna yang mahir mereka.

Taman yang Mempesonakan: Penuh dengan Pertemuan dan Bunga

Duncan Grant dan Angelica Garnett di Taman di Charleston , Charleston Trust, East Sussex, England (kiri) , dan Lili Arum oleh Vanessa Bell , 1919, Institut Seni Courtauld (kanan)

Kawasan desa Inggeris di Sussex dengan pokok dan kebun menarik Vanessa Bell ke tempat penginapan itu. Akhirnya, Bell memenuhi taman dengan bunga, yang menjadi sumber inspirasi untuk lukisannya. Taman adalah tempat pertemuan akan diadakan di kalangan ahli Bloomsbury. Penciptaan taman itu serupa dengan Monet's Giverny atau taman Frida di Casa Azul. Ia adalah sumber inspirasi seni, tetapi juga penangguhan. Taman itu mempengaruhi lukisan Bell Lili Arum , yang menggambarkan hidupan mati dengan objek yang serupa dengan yang ditemui di rumah Charleston mereka.

Rumah dan taman Charleston ialah kumpulan orang yang datang bersama-sama untuk mencipta sesuatu yang boleh dikenal pasti secara unik kepada mereka. Daripada kedatangan dan kepergian orang yang berterusan dan hiasan yang sentiasa berubah, rumah Charleston pada akhirnya masih menjadi rumah yang dikongsi oleh ramai.

Taman Claude Monet: Sebuah Studio Seni Luaran

Claude Monet di hadapan rumahnya di Giverny , 1921, Musée d'Orsay, Paris

Selepas berpindah dari satu tempat ke tempat semasa kerjaya seninya, Giverny yang menjadi milik Claude Monet rumah akhir. Terdapat mawar memanjat dan pokok anggur menyelubungi bahagian hadapan rumah Giverny. Pintu hijau terang berbeza dengan warna merah terang pada katil mawar di hadapan. Bahagian hadapan rumahnya hanyalah permulaan keupayaan Monet untuk mencipta karya agung tanah dan taman. Giverny menjadi sumber inspirasi untuk beberapa karyanya yang paling dikenali yang masih terus memikat penonton hari ini.

Taman Bunga Giverny

Claude Monet di Giverny , 1908, Muzium Seni Denver

Monet memberi perhatian khusus tentang jenis bunga yang dia tanam dan tempat dia menanamnya. Dia akan menyusun bunganya dengan mencampurkan warna spesies langka dengan bunga yang paling biasa daripada bunga mawar, tulip, daisy, bunga matahari atau sarung tangan musang. Kebun-kebunnya dibiarkan tumbuh dengan banyaknya dengan pokok-pokok menutupi petak bunganya dan memanjat bunga ros yang tersebar di sepanjang dinding rumahnya. Monet merawat tamannya seolah-olah dia sedang mencipta lukisan. Warna diutamakan di atas segala-galanya dan gabungan warna-warna ini akan dirancang dengan teliti lukisan impresionisnya .

Taman artis di Giverny oleh Claude Monet , 1900, Musée d'Orsay, Paris

Taman-taman Monet memberikan rasa menyelami penonton ke dalam dunianya seperti lukisannya. Sama seperti sapuan berus lukisannya, seseorang tidak dapat mengetahui di mana rumah itu berakhir dan taman bermula, menggabungkan keduanya menjadi satu. Contohnya ialah lukisan Taman artis di Giverny . Bunga ungu terang dalam lukisan ini tertumpu pada latar belakang hijau rumah dan pokoknya yang kabur. Malah dalam lukisan ini penonton boleh melihat penempatan bertujuan untuk katil bunganya untuk mencipta bentuk dan warna yang berbeza dalam lukisan itu.

Jambatan Jepun dan Kolam Lily Air

Gambar tanpa tajuk, Arkib Durand-Ruel, album no. III , Muzium Seni Metropolitan, New York

Monet membina jambatan dalam gaya Jepun yang dikelilingi oleh wisteria, buluh, bunga iris, dan kolam teratai air di bawahnya. Mencipta adegan sendiri di taman membolehkan dia mempunyai ruang yang tetap di mana dia boleh fokus dan belajar pada adegan tertentu. Lukisan kolam Monet memfokuskan pada pantulan air dan bukannya objek fizikal itu sendiri. Idea pantulan dan perendaman membawa Monet untuk mencipta berbilang perwakilan bagi satu adegan ini.

Jambatan Jepun oleh Claude Monet , 1920-22, MoMA

Salah satu tafsiran jambatan Jepun ini dilihat dalam lukisan di atas. Menjelang tahun 1920-an Monet menggunakan warna dan aplikasi cat berubah di Giverny. Warnanya berubah daripada hijau dan biru yang menenangkan kepada merah dan kuning yang bertenaga. Sapuan berusnya kurang terkawal dan garisan bebas diletakkan di atas kanvas. Ini mungkin disebabkan oleh penglihatan Monet yang semakin tua, tetapi masih terdapat perubahan yang nyata dalam karya ini berbanding karyanya yang terdahulu.

Studio Seni: Penciptaan Siri Water Lily Monet

Claude Monet dalam Studionya di Giverny oleh Henri Manuel, 1920

Monet terkenal kerana mencipta lukisannya di di luar rumah gaya. Dia akan berjalan di kawasan desa Perancis, atau terapung di studio bot menyusuri Seine untuk mencipta lukisan plein airnya. Walau bagaimanapun, untuk lukisan panel berskala besar teratai airnya, dia perlu berpindah ke studio seni. Monet berusia enam puluhan ketika dia memulakan siri ini, dan mereka adalah antara yang terbesar yang pernah dia kerjakan.

Giverny berkembang sepanjang tahun dan Monet bersamanya. Dia terus menambah taman dan kebunnya yang sedia ada, yang membolehkan dia tidak pernah pergi jauh dari rumah. Inspirasinya sentiasa menjejak kaki dan membawa kepada penciptaan karyanya yang paling terkenal.