4 Kolaborasi Seni dan Fesyen Ikonik yang Membentuk Abad Ke-20

Tiga Pakaian Koktel, Penghormatan kepada Piet Mondrian oleh Eric Koch , 1965, melalui Vogue France

Hubungan antara seni dan fesyen menentukan detik-detik tertentu dalam sejarah. Kedua-dua medium ini mencerminkan perubahan sosial, ekonomi, dan politik dari tahun dua puluhan hingga ke kemeriahan tahun lapan puluhan. Berikut ialah empat contoh artis dan pereka fesyen yang telah membantu membentuk masyarakat melalui kerja mereka.

1. Halston Dan Warhol: Persekutuan Fesyen

Empat Potret Halston , Andy Warhol, 1975, Koleksi Persendirian

Persahabatan antara Roy Halston dan Andy Warhol adalah satu yang menentukan dunia seni. Kedua-dua Halston dan Warhol adalah pemimpin yang membuka jalan untuk menjadikan artis/pereka sebagai selebriti. Mereka menanggalkan stigma berlagak dunia seni dan membawa fesyen dan gaya kepada orang ramai. Warhol menggunakan penapisan sutera untuk menghasilkan imej beberapa kali. Walaupun dia pastinya tidak mencipta proses itu, dia telah merevolusikan idea pengeluaran besar-besaran. Halston menggunakan fabrik dan reka bentuk yang ringkas dan elegan, tetapi glamor dengan penggunaan labuci, ultrasuede dan sutera. Dia adalah salah seorang yang pertama membuat fesyen Amerika boleh diakses dan diingini. Kedua-duanya meletakkan setem muktamad pada seni dan gaya sepanjang tahun 1960-an, 70-an dan 80-an yang masih bertahan sehingga hari ini.

Kerjasama Dan Kejayaan Komersial

bunga oleh Andy Warhol , 1970, melalui Muzium Seni Universiti Princeton (kiri); dengan Liza oleh Andy Warhol , 1978, melalui Christie’s (tengah); dan bunga oleh Andy Warhol , 1970, melalui Muzium Seni Tacoma (kanan)

Kedua-dua Halston dan Warhol bekerjasama dalam banyak projek yang berbeza. Warhol akan membuat kempen iklan yang memaparkan pakaian Halston dan juga Halston sendiri. Dalam kerjasama yang lebih langsung, Halston menggunakan cetakan bunga Warhol pada beberapa pakaiannya daripada pakaian malam kepada set pakaian santai.

Halston akan menggunakan reka bentuk ringkas dalam pakaiannya, yang menjadikan mereka sangat berjaya. Mereka ringkas dan mudah dipakai, namun masih terasa mewah dengan penggunaan fabrik, warna, atau cetakannya. Warhol juga akan memudahkan bahan dan prosesnya, yang menjadikannya lebih mudah untuk menghasilkan semula karyanya dan menjadikannya lebih mudah dijual.

Adakah anda menikmati artikel ini?

Daftar ke Surat Berita Mingguan Percuma kamiSertai!Memuatkan...Sertai!Memuatkan...

Sila semak peti masuk anda untuk mengaktifkan langganan anda

Terima kasih!

Gaun malam oleh Halston , 1972, melalui Muzium Seni Indianapolis (kiri); dengan Pakaian dan Cape Padanan oleh Halston , 1966, melalui Muzium FIT, New York City (tengah); dan Ensemble Lounge oleh Halston , 1974, melalui Universiti Texas Utara, Denton (kanan)

Kejayaan komersial sememangnya mempunyai cabaran untuk kedua-dua pereka. Halston akan menjadi yang pertama bekerjasama dengan rangkaian runcit, JCPenney, pada tahun 1982 yang bertujuan untuk memberi pelanggan pilihan harga yang lebih rendah untuk reka bentuknya. Ini tidak berjaya untuk jenamanya kerana ia seolah-olah memurahkannya, tetapi ia membuka jalan kepada pereka masa depan untuk melakukan perkara yang sama. Warhol turut mendapat kritikan dengan produksinya dilihat cetek dan cetek. Bagaimanapun, kedua-duanya memodenkan penggunaan runcit dan pemasaran di ruang masing-masing untuk mencipta jenama untuk dijual ke pasaran besar-besaran.

The Glitz And Glamor

Kasut Debu Berlian oleh Andy Warhol , 1980, melalui Koleksi Seni Monsoon, London (kiri); dengan Pakaian Wanita, Labuci oleh Halston , 1972, melalui LACMA (kanan)

Kedua-dua Warhol dan Halston adalah pelawat kerap Studio 54. Mereka berpesta, mereka bentuk dan menghasilkan karya untuk selebriti seperti Liza Minnelli, Bianca Jagger dan Elizabeth Taylor. Persiaran ini dicerminkan dalam karya mereka kerana ia memberi inspirasi dan menentukan era disko 1970-an.

Halston terkenal kerana mencipta pakaian malam dalam labuci penuh. Dia akan meletakkan labuci di atas kain secara melintang. Ini menghasilkan kesan berkilauan bahan, yang akan digunakannya untuk mencipta reka bentuk ombre atau tampalan. Reka bentuknya adalah siluet ringkas yang mencipta kemudahan dan pergerakan untuk menari. Penggunaan labucinya sangat popular di kalangan bintang, termasuk Liza Minnelli yang akan memakai rekaannya untuk persembahan dan keluar ke Studio 54 .

Siri Kasut Debu Berlian Warhol juga menggambarkan kehidupan malam Studio 54 dan pengaruh selebriti. Debu Berlian ialah apa yang dia gunakan di atas cetakan skrin atau lukisan, mencipta unsur kedalaman tambahan pada karya itu. Cetakan kasut Warhol pada mulanya merupakan idea untuk kempen iklan untuk Halston. Dia juga menggunakan beberapa reka bentuk kasut Halston sendiri sebagai inspirasi.

Pereka bentuk menjadi selebriti bermula dengan Warhol dan Halston. Ia bukan sahaja tentang jenis seni dan pakaian yang mereka cipta tetapi juga kehidupan sosial mereka. Kini terdapat pereka fesyen dan artis yang merupakan personaliti selebriti dan ia menyumbang kepada kejayaan jenama mereka.

2. Sonia Delaunay: Di Mana Seni Menjadi Fesyen

Sonia Delaunay bersama dua rakan di studio Robert Delaunay, 1924, melalui Bibliothèque Nationale de France, Paris

Sonia Delaunay bukan sahaja merevolusikan satu bentuk baru Kubisme tetapi juga membayangkan hubungan antara seni dan fesyen. Delaunay dan suaminya merintis Orphisme dan bereksperimen dengan pelbagai bentuk abstraksi dalam seni. Dia adalah orang pertama seumpamanya yang menggunakan gaya artistiknya sendiri dan beralih ke dunia fesyen menggunakan reka bentuk, cetakan atau corak tekstil asalnya. Dia lebih diingati kerana seni dan hubungannya dengan suaminya berbanding fesyennya. Pakaiannya berada di barisan hadapan perubahan dalam pakaian wanita pada tahun 1920-an. Katalog pakaiannya lebih diingati dalam gambar dan rujukan kepada seninya dan bukannya pakaian fizikal itu sendiri. Bagi Delaunay, tiada garis yang dilukis antara seni dan fesyen. Baginya, mereka adalah satu dan sama.

Fesyen Serentak Dan Pemberontak

Pakaian Serentak (Tiga Wanita, Bentuk, Warna) oleh Sonia Delaunay , 1925, melalui Muzium Negara Thyssen-Bornemisza, Madrid (kiri); dengan Pakaian Serentak oleh Sonia Delaunay , 1913, melalui Muzium Negara Thyssen-Bornemisza, Madrid (kanan)

Delaunay memulakan perniagaan fesyennya pada tahun 1920-an dengan mencipta pakaian untuk pelanggan dan membuat reka bentuk fabrik untuk pengeluar. Dia memanggil labelnya serentak dan seterusnya memajukan penggunaan warna dan corak pada pelbagai medium yang berbeza. Simultanisme memainkan peranan penting dalam proses reka bentuknya. Penggunaan teknik itu sangat mirip dengan selimut kain tampal atau tekstil dari Eropah Timur. Warna menindih satu sama lain dan corak digunakan untuk mencipta harmoni dan irama. Tema biasa miliknya termasuk segi empat sama/segi empat tepat, segi tiga dan garis pepenjuru atau sfera - semuanya bertindih antara satu sama lain dalam pelbagai reka bentuknya.

Plat 14 daripada Sonia Delaunay: Lukisannya, objeknya, kain serentaknya, fesyennya oleh Sonia Delaunay , 1925, melalui Galeri Nasional Victoria, Melbourne

Delaunay adalah seorang wanita muda semasa Era Edwardian di mana korset dan pematuhan adalah norma. Ini berubah pada tahun 1920-an apabila wanita memakai skirt di atas lutut dan pakaian longgar yang sesuai dengan kotak. Aspek ini adalah sesuatu yang boleh dilihat dalam reka bentuk Delaunay, dan dia bersemangat untuk mencipta pakaian yang sesuai dengan keperluan wanita. Dia mereka pakaian renang yang membolehkan wanita lebih baik mengambil bahagian dalam sukan yang sebelum ini menghalang cara mereka bermain. Dia meletakkan tekstilnya pada kot, kasut, topi, dan juga kereta menjadikan setiap permukaan sebagai kanvasnya. Reka bentuknya mencipta kebebasan pergerakan dan ekspresi melalui warna dan bentuk.

Peralihan Delaunay Kepada Filem Dan Teater

Le P'tit Parigot oleh René Le Somptier , 1926, melalui IMDB (kiri); dengan Kostum untuk 'Cleopatra' dalam Ballet Russes pengeluaran 'Cleopatra' oleh Sonia Delaunay, 1918, melalui LACMA (kanan)

Delaunay beralih ke filem dan teater semasa kerjayanya. Dia merancang pakaian untuk filem 1926 Le P'tit Parigot (‘The Small Parisian One) oleh Rene Le Somptier. Kedua-dua Delaunay dan suaminya menyumbang kepada filem itu dengan suaminya menyumbang kepada reka bentuk set yang digunakan dalam filem. Di sebelah kiri, penari Romania Lizicai Codreanu digambarkan dalam salah satu kostum yang direka oleh Delaunay. Penggunaan sfera, zigzag dan segi empat sama adalah satu lagi contoh simultanisme. Zigzag latar belakang sebati dengan legging pakaian. Cakera yang mengelilingi wajah penari itu adalah tema yang berulang dalam fesyen Delaunay.

Dia juga mencipta reka bentuk untuk 'Cleopatra' , oleh Ballets Russes. Sama seperti kerjasamanya dalam filem, dia mencipta kostum dan suaminya mengerjakan reka bentuk set. Kedua-duanya bekerjasama antara satu sama lain untuk mencipta pengalaman yang harmoni untuk penonton. Kostum Cleopatra mempunyai jalur pelbagai warna dan separa bulatan yang menggabungkan gaya abstrak tahun 1920-an dengan balet tradisional.

3. Kerjasama Elsa Schiaparelli dan Salvador Dalí

Kasut berbentuk topi Schiaparelli oleh Elsa Schiaparelli dan Salvador Dalí , 1937-38, melalui Vogue Australia

Barisan hadapan seni surealis dipadankan dengan pemimpin dalam fesyen surealis. Salvador Dali dan pereka fesyen Elsa Schiaparelli bekerjasama dan memberi inspirasi antara satu sama lain sepanjang kerjaya masing-masing. Mereka mencipta imej ikonik seperti Pakaian Lobster , Topi Kasut (Isteri Dalí, Gala dilihat di atas), dan Pakaian Koyak , yang mengejutkan dan memberi inspirasi kepada penonton dalam seni dan fesyen. Dalí dan Schiaparelli membuka jalan untuk kerjasama masa depan antara pereka fesyen dan artis kerana mereka merapatkan jurang antara apa yang dianggap seni dan fesyen boleh pakai.

Lobster dan Dalí

Pakaian Makan Malam Wanita oleh Elsa Schiaparelli dan Salvador Dali , 1937, melalui Muzium Seni Philadelphia (kiri); Salvador Dali oleh George Platt Lynes , 1939, melalui Muzium Seni Metropolitan, New York City (kanan)

Walaupun udang galah nampaknya tidak berbahaya, ia sebenarnya penuh dengan kontroversi. Dali digunakan udang galah sebagai tema berulang dalam karyanya dan berminat dengan anatomi udang galah. Cangkangnya bertindak sebagai rangka di bahagian luar, dan ia mempunyai bahagian dalam yang lembut di bahagian dalam, sebaliknya manusia. Udang galah dalam karya Dalí juga mempunyai nada seksual, berpunca daripada dinamik wanita-lelaki.

Pakaian Lobster adalah kerjasama antara dua artis dengan Dalí melakar udang galah untuk digunakan pada pakaian itu. Ia mencetuskan banyak kontroversi apabila ia mula-mula muncul Vogue . Pertama, ia mempunyai korset dan skirt tipis yang diperbuat daripada organza putih. Kecemerlangan ini, menunjukkan imej badan model yang hampir tidak kelihatan, adalah sesuatu yang benar-benar baharu dalam fesyen yang dilihat pada skala besar-besaran. Penggunaan kain putih juga berbeza dengan warna merah udang galah. Putih boleh dianggap dara atau menandakan kesucian berbanding merah, yang boleh bermakna seksualiti, kuasa, atau bahaya. Udang galah diletakkan dengan mudah di atas skirt untuk menutup kawasan pelvis wanita. Peletakan ini serupa dengan foto Dalí di atas, yang selanjutnya menandakan seksualiti wanita berbanding reaksi lelaki terhadapnya.

Model yang memakai pakaian itu Vogue ialah Wallis Simpson, isteri Edward VIII, yang menurunkan takhta Inggeris untuk mengahwininya. Ini adalah satu lagi contoh mengambil tokoh atau imej kontroversi dalam budaya dan mengubahnya menjadi sesuatu yang perlu dihormati.

Gaya Sejuk Tulang

Wanita dengan Kepala Mawar oleh Salvador Dalí , 1935, melalui Kunsthaus Zurich (kiri); dengan Pakaian Rangka oleh Elsa Schiaparelli , 1938, melalui Muzium Victoria dan Albert, London (kanan)

Rangka ialah tema lain yang dilihat dalam seni surealis dan digunakan dalam lebih banyak kerjasama antara Dali dan Schiaparelli. Pakaian Rangka adalah yang pertama seumpamanya kerana subjeknya, tetapi juga kerana tekniknya. Schiaparelli menggunakan teknik yang dipanggil berlapis di mana dua lapisan fabrik dijahit bersama menghasilkan garis besar. Wadding dimasukkan ke dalam garis besar, mencipta kesan yang dibangkitkan. Teknik ini mencipta permukaan bertekstur pada fabrik rata memberikan ilusi bahawa tulang manusia menonjol melalui pakaian. Ia menimbulkan skandal kerana pakaian itu diperbuat daripada bahan melekap yang melekat pada kulit. Imaginasi lukisan dan lukisan Dali direalisasikan dalam dunia tiga dimensi fizikal oleh pakaian Schiaparelli. Dali, seperti yang dinyatakan sebelum ini, berminat dalam anatomi, dan ini juga diterjemahkan ke dalam karyanya.

4. Yves Saint Laurent: Tempat Seni dan Inspirasi Bertembung

Pakaian yang diilhamkan oleh Picasso oleh Yves Saint Laurent oleh Pierre Guillaud , 1988, melalui Times LIVE (kiri); dengan Burung-burung oleh Georges Braque, 1953, di Muzium Louvre, Paris (kanan)

Di manakah garis antara peniruan dan penghargaan? Pengkritik, penonton, artis dan pereka sama-sama bergelut untuk menentukan di mana garis itu dilukis. Namun, apabila berbincang Yves Saint Laurent , niatnya tidak lepas dari sanjungan dan kekaguman terhadap pelukis dan lukisan yang dijadikan inspirasi. Dengan melihat portfolionya yang luas, Saint Laurent telah diilhamkan oleh budaya dan seni dari seluruh dunia, dan dia memasukkan ini ke dalam pakaiannya.

Walaupun Yves Saint Laurent tidak pernah bertemu dengan artis yang memberi inspirasi kepadanya, ini tidak menghalangnya daripada mencipta karya sebagai penghormatan kepada mereka. Laurent mengumpul inspirasi daripada artis seperti Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,dan Picasso . Dia seorang pengumpul seni dan mempunyai lukisan Picasso dan Matisse di rumahnya sendiri. Mengambil imej artis lain sebagai inspirasi kadangkala boleh dilihat sebagai satu kontroversi. Saint Laurent, bagaimanapun, akan menggunakan tema yang sama seperti artis ini dan memasukkannya ke dalam pakaian yang boleh dipakai. Dia mengambil motif dua dimensi dan mengubahnya menjadi pakaian tiga dimensi yang memberi penghormatan kepada beberapa artis kegemarannya.

Seni Pop dan Revolusi 60-an

Pakaian koktel yang dipakai oleh Muriel, penghormatan kepada Piet Mondrian, koleksi haute couture musim luruh-musim sejuk 1965 oleh Yves Saint Laurent, difoto oleh Louis Dalmas , 1965, melalui Musée Yves Saint Laurent, Paris (kiri); dengan Gaun malam yang dipakai oleh Elsa, Penghormatan kepada Tom Wesselmann, koleksi haute couture musim luruh-musim sejuk 1966 oleh Yves Saint Laurent, gambar oleh Gerard Pataa, 1966 , melalui Muzium Yves Saint Laurent, Paris (kanan)

Tahun 1960-an adalah zaman revolusi dan komersialisme dan merupakan era baru untuk fesyen dan seni. Reka bentuk Saint Laurent mengambil kejayaan komersial apabila dia mula mendapat inspirasi daripadanya Seni pop dan abstraksi. Dia mencipta 26 pakaian pada tahun 1965 yang diilhamkan oleh lukisan abstrak Piet Mondrian. Pakaian itu merangkumi penggunaan bentuk ringkas dan warna asas yang berani oleh Mondrian. Saint Laurent menggunakan teknik di mana tiada jahitan kelihatan di antara lapisan kain, menjadikannya kelihatan seolah-olah pakaian itu adalah satu helai keseluruhan. Saint Laurent mengambil seni Mondrian dari tahun 1920-an dan menjadikannya boleh dipakai dan boleh dikaitkan dengan tahun 1960-an.

Pakaian gaya mod adalah contoh klasik gaya 1960-an di mana kepraktisan menjadi isu yang lebih besar untuk wanita. Ia serupa dengan pakaian tahun 1920-an, yang kurang terkekang dan mempunyai lengan dan labuh yang menunjukkan lebih banyak kulit. Siluet kotak Saint Laurent membenarkan kemudahan dan pergerakan untuk wanita. Ini juga membawa kepada inspirasi beliau daripada artis seni pop seperti Tom Wesselmann dan Andy Warhol. Dia mencipta barisan reka bentuk inspirasi seni pop yang menampilkan siluet dan potongan pada pakaiannya. Ia adalah mengenai memecahkan kekangan tentang apa itu abstraksi dalam seni dan reka bentuk pengkomersilan. Laurent merapatkan kedua-dua idea ini bersama-sama untuk mencipta pakaian untuk wanita yang membebaskan dan menarik minat wanita moden.

Kesenian Dalam Fesyen Haute Couture

Ensembel malam, penghormatan kepada Vincent van Gogh, dipakai oleh Naomi Campbell dan Bess Stonehouse, koleksi haute couture musim bunga-musim panas 1988 oleh Yves Saint Laurent, difoto oleh Guy Marineau , 1988, melalui Muzium Yves Saint Laurent, Diambil

The Vincent van Gogh Jaket oleh Saint Laurent adalah contoh bagaimana Saint Laurent menggabungkan inspirasi daripada artis lain dan bakat reka bentuknya sendiri. Seperti pakaiannya yang lain, tema yang berkaitan dengan artis tidak disalin dan ditampal pada pakaian Saint Laurent. Apa yang dia pilih untuk lakukan sebaliknya adalah mengambilnya sebagai inspirasi dan mencipta karya yang mencerminkan gayanya sendiri. Jaket itu mewakili gaya 80-an dengan bahu yang kuat dan rupa kotak yang sangat berstruktur. Ia adalah kolaj bunga matahari yang disulam dalam gaya lukisan Van Gogh.

Butiran jaket bunga matahari oleh Yves Saint Laurent , 1988, melalui Christie's (kiri); dengan Bunga matahari-perincian oleh Vincent Van Gogh , 1889, melalui Muzium Van Gogh, Amsterdam

Yves Saint Laurent bekerjasama dengan rumah Rumah Lesage , peneraju dalam sulaman haute couture. Jaket bunga matahari disulam dengan manik tiub yang melapisi tepi jaket dan kelopak bunga matahari serta batang. Bunga-bunga itu dipenuhi dengan pelbagai warna labuci oren dan kuning. Ini menghasilkan sekeping tekstur berbilang dimensi yang serupa dengan teknik Van Gogh melapis cat tebal pada kanvas. Ia dianggarkan sebagai salah satu karya haute couture paling mahal yang akan dibuat, dijual pada harga 382,000 Euro daripada Christie's. Saint Laurent merapatkan jalan untuk bagaimana seseorang boleh memakai fesyen sebagai karya seni dengan sendirinya.