4 Artis Era Victoria Yang Membuat Seni Untuk Seni

Butiran daripada Jun yang menyala oleh Sir Frederic Leighton, 1895; dan Impian Hari oleh Dante Gabriel Rossetti, 1880

Frasa seni untuk kepentingan seni mungkin kedengaran mudah—tetapi empat perkataan ini membawa kepada pergerakan seni yang serba baharu di London era Victoria. Seni untuk kepentingan seni berasal sebagai terjemahan bahasa Inggeris bagi slogan Perancis seni untuk seni . Pada tahun 1860-an, konsep ini dipopularkan oleh Walter Pater , seorang pengkritik seni British yang berpengaruh. Kerja beliau membantu meletakkan asas bagi Pergerakan Estetik, yang menyatukan kumpulan pelbagai artis era Victoria avant-garde, kraftangan dan penyair di bawah seni moto demi seni.

Seni Demi Seni: Latar Belakang

Walter Pater terkenal kerana menggunakan prosa berbunga dalam esei sejarah seninya dan ulasan kritis seni dan kesusasteraan era Victoria. Kerjanya sering tertumpu keinginan kecantikan, cinta seni demi seni, dan dia sering berkhutbah bahawa seni terbaik datang kepada anda dengan berterus-terang tidak memberikan apa-apa selain kualiti tertinggi kepada detik-detik anda semasa ia berlalu, dan semata-mata untuk detik-detik itu. Falsafah-falsafah ini secara langsung bertentangan dengan tradisi berabad-abad lamanya yang berprestij Akademi Seni Diraja dan norma sosial era Victoria.

Simfoni dalam Putih, No.III oleh James Abbott McNeill Whistler , 1865-67, melalui Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

Di Britain abad kesembilan belas, budaya arus perdana menentukan moral yang ketat. Seni digunakan terutamanya untuk menyatakan mesej etika, politik, sosial atau agama. Sementara itu, Akademi Diraja masih mengajar hierarki seni yang disukai Klasik dan Tinggi Renaissance Itali mata pelajaran dan gaya. Dibina berdasarkan konsep seni untuk kepentingan seni, Pergerakan Estetik bertujuan untuk menggulingkan semua ini, menegaskan bahawa artis tidak perlu mewajarkan kerja mereka melebihi nilai intrinsiknya.

Dalam konteks budaya inilah pencipta dalam pelbagai disiplin mengguna pakai seni demi seni sebagai kepercayaan mereka, termasuk Persaudaraan Pra-Raphaelite , pelukis Gerakan Estetik yang diketuai oleh James Abbott McNeill Whistler , pereka dalaman Pergerakan Seni dan Kraf diketuai oleh William Morris , dan penyair Sekolah Daging yang diketuai oleh Algernon Charles Swinburne . Mereka semua percaya bahawa medium pilihan mereka harus dibenarkan wujud selain daripada sebarang fungsi didaktik atau utilitarian. Dalam bidang lukisan, subjek dan naratif tidak lagi relevan-pendekatan yang revolusioner pada masa itu-dan seni demi seni melahirkan genre seni baharu yang menarik yang termasuk sumbangan oleh empat artis era Victoria yang terkenal ini.

Adakah anda menikmati artikel ini?

Daftar ke Surat Berita Mingguan Percuma kamiSertai!Memuatkan...Sertai!Memuatkan...

Sila semak peti masuk anda untuk mengaktifkan langganan anda

Terima kasih!

1. James Abbott McNeill Whistler: Puisi Penglihatan

Susunan dalam Kelabu dan Hitam No. 1 (Potret Ibu Artis) oleh James Abbott McNeill Whistler , 1871,melalui Musée d'Orsay, Paris

Whistler ialah seorang artis kelahiran Amerika yang menjadi salah seorang pemimpin Pergerakan Estetik. Walaupun dia tidak pernah cemerlang dalam suasana akademik, Whistler belajar di Paris bersama-sama Impresionis dan kemudian menetap di London, di mana dia bergaul dengan artis-artis avant-garde era Victoria. Daripada pengaruh ini, Whistler membantu membuka jalan bagi seni demi seni untuk benar-benar menangkapnya.

Walter Pater mendakwa bahawa semua seni sentiasa bercita-cita ke arah keadaan muzik. Whistler juga tertarik dengan idea bahawa muzik adalah bentuk seni yang paling boleh dicontohi untuk kepentingan seni. Ini kerana sekeping muzik tanpa lirik—dan dengan itu tiada naratif atau subjek yang pasti—boleh dihargai hanya kerana keindahannya. Whistler sememangnya bercita-cita untuk mencapai kesan ini dalam seni visual, sehingga menamakan lukisannya bukan mengikut subjek mereka, tetapi dengan istilah muzik seperti Harmoni , Susunan , Nocturne , dan simfoni . Mengenai gaya penamaannya yang tidak lazim, Whistler menjelaskan , Memandangkan muzik adalah puisi bunyi, begitu juga melukis puisi penglihatan, dan subjek tidak ada kaitan dengan keharmonian bunyi atau warna.

Malah potret ibu Whistler yang terkenal adalah susunan warna dan bentuk yang estetik. Ia hanya dikenali sebagai Potret Ibu Artis, manakala gelaran rasminya— Susunan dalam Kelabu dan Hitam No. 1 —mencadangkan lukisan itu tidak lebih daripada komposisi estetik warna yang disenyapkan.

Nocturne: Biru dan Emas — Jambatan Battersea Lama oleh James Abbott McNeill Whistler , ca. 1872-75, melalui Tate, London

Begitu juga, Whistler kerap melukis pemandangan Sungai Thames yang berkabus pada waktu malam dalam siri yang dipanggilnya Nocturnes . setiap satu Nocturne menampilkan komposisi yang sangat rata dan ringkas, palet warna yang membosankan, dan sapuan berus yang lebar dan lut sinar. Hasil akhirnya ialah kesan visual cahaya dan warna yang indah dan bukannya lukisan landskap konvensional di tempat biasa. Penonton era Victoria terkejut dengan penampilan lukisan ini yang kelihatan belum selesai dan subjek yang tidak pasti—sehinggakan tuntutan mahkamah berlaku.

2. Albert Moore: Mewah Santai

Pemimpi oleh Albert Moore , 1882, melalui Muzium dan Galeri Seni Birmingham, Birmingham

Sebagai seorang artis muda, Moore terpesona dengan arca antik . Dia menghabiskan berjam-jam belajar dan melakar Elgin Marbles , koleksi arca Yunani kuno dari Parthenon di Muzium British di London. Kehebatan akademiknya dan Gaya neoklasik memberikannya ruang pameran di Akademi Seni Diraja—tetapi kemerdekaan seninya yang sengit akhirnya menghalangnya daripada mengambil bahagian sepenuhnya bersama ahli akademik yang lebih tradisional.

Moore terkenal dengan komposisi figura wanita yang dekaden dalam pelbagai keadaan rehat dan relaksasi, biasanya bergambar dalam suasana klasik yang dibayangkan dan sangat hiasan. Tidak seperti jenis seni yang dipromosikan oleh Akademi Diraja, lukisan Moore tidak mengandungi sebarang naratif sejarah atau mesej yang boleh dilihat. Tokoh wanita tidak wujud sebagai subjek, sebaliknya sebagai salah satu daripada banyak elemen komposisi estetik. Identiti mereka dan juga ekspresi muka mereka sengaja tidak jelas—tetapi badan, fabrik, tekstur dan palet warna yang harmoni menunjukkan kebolehan Moore untuk menggabungkan pelbagai butiran hiasan untuk mencapai kesan yang mewah, namun santai.

buah delima oleh Albert Moore , ca. 1875, di Galeri Seni Guildhall, London, melalui Art UK

Malah, kebanyakan lukisannya, seperti buah delima , dinamakan sempena perkara yang indah seperti bunga dan buah, atau masa dalam hari dan musim. Tajuk-tajuk ini tidak menggambarkan naratif atau perkara pokok, malah tidak menyebut objek yang paling ketara dalam lukisan itu. Sebaliknya, mereka menekankan kesan hiasan keseluruhan yang ingin dicapai oleh lukisan itu. Walaupun setiap bahagian lukisan Moore mewakili bentuk yang boleh dikenali, semua objek dan figura begitu diabstrakkan daripada sebarang ciri pengenalpastian supaya ia wujud hanya untuk melengkapkan gubahan estetik yang dinikmati untuk keindahannya—contoh seni yang terbaik untuk kepentingan seni.

3. Dante Gabriel Rossetti: Potret Sensuous

Impian Hari oleh Dante Gabriel Rossetti , 1880, melalui Muzium Victoria dan Albert, London

Baik pelukis mahupun penyair, Rossetti diingati kerana potret wanitanya yang sangat hiasan—kebanyakan daripadanya mempunyai puisi tertulis pada bingkai atau dimasukkan dalam gubahan. Rossetti adalah ahli pengasas persaudaraan Pra-Raphaelite dan oleh itu tertarik kepada sumber inspirasi zaman pertengahan yang mendahului Raphael ,kegemaran Akademi Diraja Cikgu Lama Pelukis Renaissance. Rossetti juga berminat untuk bereksperimen dengan apa yang disebut oleh Walter Pater puisi bergambar, atau karya seni yang mencapai ekspresi lengkap dengan melukis dan mewarna, bukannya dengan bercerita.

Rossetti tidak sering mempamerkan karya secara terbuka semasa hayatnya, tetapi reputasinya semakin meningkat apabila pengunjung ke studionya menyebarkan berita tentang inovasi beraninya. Dia juga terkenal kerana berkawan dengan pelbagai muse wanita. Rossetti secara khusus tertarik kepada wanita yang mempunyai ciri-ciri yang kuat, sudut, gaya rambut yang besar, dan kehadiran yang menggoda-jauh berbeza dengan Ideal era Victoria untuk kewanitaan yang halus dan bijaksana.

Dikucup Mulut oleh Dante Gabriel Rossetti , 1859, melalui Muzium Seni Halus, Boston

Dikucup Mulut adalah yang pertama dari potret satu figura tandatangan Rossetti. Diilhamkan oleh pepatah Itali dengan nama yang sama, petikan yang sebenarnya tertulis di belakang kanvas, Dicium Mulut menggambarkan muse Rossetti, model, dan kadang-kadang perempuan simpanan, Fanny Cornforth . Dalam lukisan ini, Cornforth dan persekitarannya bergabung untuk menghasilkan kesan estetik—rambut orennya yang menyerlah, pakaian hijau baldu dan aksesori keemasan bergabung dengan gubahan bunga di latar belakang dan tekstil berhias di latar depan, kedua-duanya diratakan secara luar biasa. untuk menekankan lagi kepentingan komposisi secara keseluruhan. Tiada tempat, cerita, orang atau tempoh masa yang boleh dikenali Dikucup Mulut -ia hanyalah objek kecantikan.

4. Frederic Leighton: Klasikisme Era Victoria

Ibu dan Anak (Ceri) oleh Frederic Leighton , 1865, melalui Muzium dan Galeri Seni Blackburn

Leighton berjaya secara komersial semasa hayatnya kerana gayanya yang diilhamkan secara klasik dan terlatih secara akademik. Dia belajar lukisan dan arca di Florence dan Paris, kemudian menetap di London, di mana dia bergaul dengan pelbagai artis era Victoria dan mereka bentuk kediaman yang mewah untuk dirinya. Tidak seperti artis Pergerakan Estetik yang lain, yang berada di pinggir persada seni London, Leighton menjadi ahli penuh Akademi Seni Diraja dan juga berkhidmat sebagai presidennya. Di sana, beliau dapat mempromosikan konsep seni demi seni dari dalam penubuhan.

Jun yang menyala oleh Sir Frederic Leighton , 1895, di Muzium Seni Ponce, melalui Google Arts & Culture

Dianggap sebagai lukisan terbesar dalam kerjaya Leighton, yang terkenal Jun yang menyala ditemui semula pada tahun 1960-an selepas hilang daripada pandangan umum selepas kematian artis. manakala Jun yang menyala mempamerkan latihan akademik Leighton dalam anatomi manusia, dia secara halus membengkokkan peraturan perwakilan untuk menggunakan figura wanita dan seluruh adegan sebagai alat hiasan dan bukannya ilusi yang meyakinkan. Monumentaliti figura wanita itu ditekankan dengan memanjangkan kakinya untuk memenuhi perabot dan membesar-besarkan warna berapi-api dan pergerakan dinamik tirainya, yang hampir tidak dapat dibezakan dengan rambutnya yang tersepit.

Seperti wanita santai Albert Moore, Jun yang menyala Beristirahat menjadikan dia seorang yang pasif, mungkin juga bahagian yang tidak bernyawa dalam adegan hiasan seperti mimpi—walaupun, jika dicuba dalam kehidupan sebenar, posenya mungkin tidak akan menjadi tenang. Walaupun Leighton akan dapat melukis sosok manusia yang surut dalam ruang tiga dimensi dengan sempurna, Jun yang menyala menunjukkan bagaimana minatnya dalam seni demi seni boleh memberi inspirasi kepada pemahaman klasikisme bukan sebagai teknik akademik atau rujukan sejarah, tetapi sebagai estetika yang mudah dibentuk.

Legasi Seni Demi Seni

Menurut James Whistler , seni harus bebas daripada semua claptrap—harus berdiri sendiri, dan menarik kepada deria artistik mata atau telinga. Dengan mempraktikkan kepercayaan bersama mereka dalam seni demi seni—dan berani meneroka melampaui batas seni didaktik tradisional—empat pelukis era Victoria ini membantu menetapkan peringkat untuk modernis abad kedua puluh untuk menolak had seni lebih jauh lagi untuk beberapa dekad yang akan datang.