Mentakrifkan Modenisme melalui 5 Fakta dan 12 Karya Seni

menari oleh Henri Matisse , 1909-10, melalui Muzium Hermitage, Saint Petersburg; dengan Komposisi dengan Merah, Biru dan Kelabu oleh Piet Mondrian, 1927; dan Wanita II. oleh Willem de Kooning, 1952

Seperti mana-mana penerangan lain tentang zaman dalam seni, 'modenisme' dan 'seni moden' sukar untuk ditakrifkan dengan tepat. Sebabnya ialah kategori sedemikian adalah subjektif dalam satu cara dan oleh itu akan sentiasa menjadi kontroversi. Menggunakan istilah 'modenisme', kita biasanya bercakap tentang pergerakan global yang berlaku dari segi sosial dan budaya pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20 di negara-negara dunia Barat. Terutama dalam seni halus, istilah ini bermaksud rehat dengan hampir semua yang berlaku sebelum ini dalam seni. Dan ia menerangkan pencarian cara ekspresi baharu.

Nombor 14 oleh Jackson Pollock , 1951, melalui Tate, London

Dikelilingi dengan pergolakan sosial, budaya dan politik yang hebat, 'modenisme' dianggap sebagai tempoh inovasi dan percubaan. Secara kasarnya, istilah 'modenisme' dalam seni berkisar daripada realisme artis seperti Gustave Courbet kepada abstraksi tahun 1960-an. Seterusnya, kami akan menerangkan tentang ‘modenisme’ kepada anda dengan lebih terperinci menggunakan 5 fakta dan 12 karya seni.

1. Modenisme Tidak Menggambarkan Satu Gaya Tunggal

Jambatan Jepun oleh Claude Monet , 1899, melalui Galeri Seni Negara, Washington D.C.

Kebanyakannya, huraian sesuatu zaman dibuat mengikut persamaannya dalam karya seni yang dihasilkan dalam tempoh khas. seni kontemporari , walau bagaimanapun, tidak begitu mudah untuk disempitkan – sebaliknya. Daripada gaya tunggal, banyak gaya dan bentuk seni yang berbeza muncul dalam zaman modenis. Banyak bentuk dan gaya seni baharu mempunyai satu persamaan: banyak yang menanggung akhiran -isme atas nama mereka. Ini termasuk, sebagai contoh, Impresionisme , yang diikuti oleh Ekspresionisme . Tetapi juga Kubisme dan Fauvisme termasuk dalam kategori 'modenisme.'

Biola dan Pitcher oleh George Braque , 1910, melalui Arkib Seni

Adakah anda menikmati artikel ini?

Daftar ke Surat Berita Mingguan Percuma kamiSertai!Memuatkan...Sertai!Memuatkan...

Sila semak peti masuk anda untuk mengaktifkan langganan anda

Terima kasih!

Dalam bahagian ini, anda boleh melihat satu karya setiap artis Claude Monet dan George Braque . Di permukaan, karya seni ini tidak boleh lebih berbeza. Teknik serta warna dan motif pada asasnya berbeza. Walau bagaimanapun, kedua-dua karya mempunyai lebih banyak persamaan daripada yang anda mungkin sangka pada mulanya. Kedua-dua lukisan itu dicipta semasa zaman modenisme dalam seni. Apa yang masih menyatukan mereka akan ditunjukkan dalam penjelasan berikut.

2. Seniman Moden Dipersoalkan Ataupun Ditolak Nilai Konservatif

Era modenisme dalam seni telah digembar-gemburkan apabila semakin ramai artis menolak prinsip seni klasik dan semakin menolak idea tradisional tentang seni. Seniman seperti Claude Monet mengelak daripada menggambarkan dunia serealistik mungkin dalam lukisan mereka, seperti yang diajar dalam Renaissance sebelum ini. Sebaliknya, seperti ramai artis lain, dia prihatin dengan ekspresi subjektif persepsi. Ini juga bermakna artis seperti Monet mempersoalkan melihatnya. Idea objektif melihat telah diuji dan semakin digantikan dengan idea subjektif melihat.

Jeritan itu oleh Edvard Munch , 1893, melalui Muzium Munch, Oslo

Mari kita lihat Edvard Munch lukisan terkenal itu Jeritan itu (1893). Dengan karya seni ini, Edvard Munch menunjukkan bagaimana keterujaan secara tiba-tiba mengubah semua tanggapan deria kita. Semua garisan dalam lukisan itu membawa kepada kepala yang menjerit di tengah-tengah lukisan itu. Campuran liar warna-warna terang dan garisan organik memperhebatkan kesan cetusan emosi. Dalam lukisan oleh artis Norway ini, sesuatu menjadi sangat jelas: Lukisan dalam 'modenisme' bukanlah tentang kebenaran alam semula jadi mahupun persembahan keindahan yang ideal. Apa yang penting ialah ekspresi emosi yang murni, walaupun ini bermakna memutarbelitkan sosok sehingga ke tahap keburukan.

3. Modenisme Mendirikan Inovasi Dan Eksperimen

Seni moden sangat dipengaruhi oleh peristiwa sosial dan politik pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Pergantian abad mewakili salah satu pergolakan sejarah terbesar bagi masyarakat Barat. Perindustrian benar-benar berlaku dalam tempoh ini, kapitalisme semakin menguasai, terdapat ciptaan seperti kereta api dan Perang Dunia Pertama. Semua ini berhadapan dengan orang yang tidak diduga. Kebangkitan dan pergolakan ini juga boleh dirasai dalam seni. Terdapat banyak inovasi dan orang ramai bereksperimen dengan bentuk, warna, garisan dan motif seperti yang tidak pernah mereka lakukan sebelum ini.

Les Demoiselles d'Avignon oleh Pablo Picasso, 1907, melalui MoMA, New York

Contoh yang baik bagi perkembangan ini ialah karya seni Pablo Picasso Wanita Avignon (1907). Jika anda melihat lukisan ini hari ini, seseorang hampir boleh berfikir bahawa Picasso melukis karya ini untuk mengubah lukisan Barat dari tanahnya. Di sini, artis bukan sahaja bermain dengan bentuk badan wanita dengan menggabungkannya dengan bentuk geometri tetapi wajah wanita itu adalah. diilhamkan oleh seni Afrika . Kedua-duanya boleh dilihat sebagai elemen revolusi bergambar.

Dewasa oleh Hilma af Klint , 1907, melalui Heart & Art

Abstraksi juga menemui jalan ke dalam seni pada masa modenisme. Artis Sweden Hilma dari Klint kini dianggap sebagai perintis kepada seni abstrak , bersama artis seperti Wassily Kandinsky . Dalam seninya, dia melalui perkembangan bergambar daripada seni naturalistik kepada seni abstrak. Hilma af Klint melukis gambar abstrak pertamanya sekitar tahun 1906.

4. Tumpuan Selalunya Pada Bahan, Warna, Teknik Dan Proses

Komposisi dengan Merah, Biru dan Kelabu oleh Piet Mondrian , 1927, melalui Sotheby's

Sama ada sapuan berus Claude Monet, kawasan warna pada karya oleh Piet Mondrian atau percikan cat pada lukisan aksi oleh Jackson Pollock – dalam zaman modenisme, bahan, warna, teknik dan prosedur pelukis mendorong diri mereka ke latar depan dalam karya ramai artis.

Namun, lukisan itu tidak perlu dibebankan dalam apa jua cara. Selalunya ia adalah walaupun jumlah pengurangan yang mewujudkan tumpuan khusus. Beberapa contoh yang baik tentang ini ialah karya monokrom artis Perancis, Yves Klein .

Monokrom Biru Tanpa Tajuk (IKB 239) oleh Yves Klein , 1959, melalui Sotheby's

Yves Klein dianggap sebagai artis avant-garde . Gubahan gambar monokromnya, yang dibuatnya dalam warna biru ultramarine yang dibangunkan sendiri, telah menjadi terkenal. Warna itu mempunyai nama rasmi International Klein Blue. Dalam gambar biru seperti itu, warna menjadi satu-satunya motif dan dengan itu menarik perhatian penonton.

5. Clement Greenberg: Ahli Teori Penting Modenisme (Abstrak).

Satu nama yang patut diketahui berkaitan dengan seni moden ialah Clement Greenberg. Pengkritik seni Clement Greenberg adalah sesuatu seperti ketua lukisan moden lewat. Greenberg yakin bahawa seni perlu dikurangkan kepada unsur-unsur yang paling asas: ke permukaan dan warnanya. Oleh itu, ahli teori Amerika terutamanya menyebarkan Ekspresionisme abstrak dan lukisan permukaan warna.

Seorang pahlawan yang mulia oleh Barnett Newman , 1950/51, melalui MoMA, New York

Artis seperti Jackson Pollock, Willem de Kooning dan Barnett Newman berhutang kemasyhuran dan pengiktirafan antarabangsa mereka kepada pengaruh dan sokongan Clement Greenberg . Salah satu tulisan Clement Greenberg yang paling terkenal ialah Menuju Laocoon Yang Lebih Baru (1940). Tajuk itu sudah mendedahkannya: Dengan tulisannya, Greenberg merujuk kepada teks terkenal oleh Gotthold Ephraim Lessing. Seperti Lessing, Greenberg juga ingin memisahkan seni ke dalam disiplin mereka. Beliau mengisytiharkan seni visual sebagai seni yang tertinggi. Kekuatan lukisan, jelasnya dalam eseinya, hanya dapat dilihat apabila ia meninggalkan semua naratif. Inilah yang telah ditetapkan oleh avant-garde dalam lukisannya, seperti yang dapat kita lihat dalam lukisan sebelumnya.

Wanita II. oleh Willem de Kooning , 1952, melalui MoMA, New York

Oleh itu, mari kita perhatikan: 'modenisme' ialah istilah untuk satu tempoh masa pada penghujung abad ke-19 dan permulaan abad ke-20. Pada masa itu, perubahan sosial dan budaya yang besar menyumbang kepada fakta bahawa seni akan berubah. Seni moden sama sekali tidak boleh dikurangkan kepada beberapa ciri yang serupa. Walau bagaimanapun, terdapat beberapa ciri yang boleh ditakrifkan seni moden. Terdapat semangat permulaan baru dalam seni dan keberanian untuk bereksperimen. Semasa era modenis, artis mempersoalkan nilai konservatif dan tanggapan seni tradisional. Mereka menyatakan diri mereka dengan warna, bentuk, garisan dan teknik, sekali gus membuka jalan kepada abstraksi. Tokoh ahli teori penting dalam perkembangan seni moden ialah pengkritik seni Amerika Clement Greenberg. Tulisannya memberikan jawapan yang tegas kepada persoalan bagaimana rupa seni moden.