Seni dan Fesyen: 9 Pakaian Terkenal dalam Lukisan Gaya Wanita Termaju

Potret Puan X oleh John Singer Sargent, 1883-84 (kiri); dengan Pemuzik oleh Tamara de Lempicka, 1929 (tengah); dan Symphony in White No.1: The White Girl oleh James McNeill Whistler, 1862 (kanan)

Bagi wanita-wanita ini, segala-galanya daripada kekayaan, watak dan pendirian politik/masyarakat menjadi petunjuk tentang siapa mereka berdasarkan lukisan ini. Sama ada mereka tahu atau tidak mereka mempengaruhi trend fesyen, pengkritik yang marah, dan menggunakan fesyen untuk menampilkan diri mereka kepada dunia di sekeliling mereka. Di bawah adalah sembilan lukisan dengan pakaian terkenal yang terdiri daripada Renaissance sehingga ke zaman moden .

Lukisan Renaissance Dengan Pakaian Terkenal

The Renaissance adalah masa pemulihan budaya dan seni, sebagai klasikisme membuat kebangkitan revolusioner dalam masyarakat Eropah . Walau bagaimanapun, tempoh ini juga menyaksikan perubahan ketara dalam fesyen; lihat bagaimana pakaian terkenal dalam lukisan mempengaruhi fesyen semasa Renaissance.

Potret Arnolfini (1434) oleh Jan Van Eyck

Potret Arnolfini oleh Jan Van Eyck , 1434, melalui Galeri Nasional, London

Jan van Eyck 's Potret Perkahwinan Arnolfini adalah ruji dalam kajian fabrik dalam potret. Teknik Van Eyck tidak meninggalkan imaginasi kerana pendekatannya untuk melukis fabrik mencipta pengalaman yang realistik dan tiga dimensi. Warna hijau zamrud warna permata dari pakaian bulunya dan lengan bergaris ermine mempamerkan status keluarga, kerana hanya pelanggan kaya yang mampu membeli fabrik yang digambarkan di atas.

Bulu, sutera, baldu dan bulu adalah jarang dan lebih mahal untuk dihasilkan, berbanding kapas atau linen, dan merupakan simbol status berapa banyak yang mampu dibeli oleh seseorang. Ia juga memaparkan kekayaan suaminya kerana ia menunjukkan bahawa dia mampu membeli banyak ela kain untuk mencipta gaunnya. Salah satu soalan yang paling diperdebatkan mengenai lukisan itu ialah sama ada wanita yang digambarkan (mungkin isteri Arnolfini) hamil atau tidak. Skirt Renaissance sangat penuh dan berat sehingga wanita akan mengangkat skirt mereka supaya lebih mudah untuk bergerak.

Adakah anda menikmati artikel ini?

Daftar ke Surat Berita Mingguan Percuma kamiSertai!Memuatkan...Sertai!Memuatkan...

Sila semak peti masuk anda untuk mengaktifkan langganan anda

Terima kasih!

Waktu Yang Sangat Kaya Duke of Berry April oleh The Limbourg Brothers , 1412-16, di Musée Condé, Chantilly, melalui The Web Gallery of Art, Washington D.C. (kiri); dengan Waktu Yang Sangat Kaya Duke of Berry The Garden of Eden oleh The Limbourg Brothers , 1411-16, di Musée Condé, Chantilly, melalui The Web Gallery of Art, Washington D.C. (kanan)

Lipatan tambahan gaunnya juga mendedahkan trend dalam menggambarkan wanita dengan bahagian tengah yang melengkung kerana ia menunjukkan harapan untuk mengandung anak semasa perkahwinan. Satu lagi contoh ini ialah saudara Limbourg Waktu Yang Sangat Kaya Duke of Berry. Dalam kedua-dua imej, perempuan digambarkan dengan perut yang lebih bulat. Imej di sebelah kiri menggambarkan perkahwinan dan ia setanding dengan potret Arnolfini kerana kedua-dua wanita memaparkan imej keibuan dalam jangkaan kehamilan. Tanpa melihat lukisan dengan kanta moden seseorang boleh melihat ini sebagai rekod tentang apa yang dipakai wanita dan apa yang penting untuk orang ramai mendedahkan kepada orang lain.

Lukisan Baroque Dan Rococo

The Baroque dan Rococo tempoh boleh dicirikan oleh hiasan yang rumit, dekaden dan suka bermain. Trend ini dilihat bukan sahaja dalam seni tetapi juga dalam fesyen melalui hiasan yang rumit dan gaun mewah. Lihatlah beberapa pakaian terkenal yang diilhamkan oleh karya seni.

Elizabeth Clarke Freake (Puan John Freake) dan Baby Mary (1674)

Elizabeth Clarke Freake (Puan John Freake) dan Baby Mary oleh Artis Tidak Dikenali , 1674, Muzium Seni Worcester

Perhatian artis yang tidak dikenali ini terhadap perincian dan tumpuan pada pakaian inilah yang menjadikan lukisan ini sebagai rekod kehidupan yang penting Puritan New England . Dalam imej ini, Elizabeth dihiasi dengan fabrik halus dan aksesori Amerika 1600-an. Kolar renda putihnya menunjukkan renda Eropah yang popular ditemui di kalangan wanita bangsawan. Memuncak dari pakaiannya ialah seluar dalam baldu bersulam emas, dan lengan bajunya dihiasi dengan reben. Dia dihiasi dengan perhiasan dari kalung mutiara, cincin emas, dan gelang garnet. Lukisan ini menawarkan pemandangan unik ke dalam kehidupan Puritan Elizabeth dan keluarganya.

Artis dapat menggabungkan imej kekayaan mereka dalam suasana yang sederhana. Lukisan itu jelas menunjukkan kekayaan Elizabeth ketika dia memilih untuk memakai pakaian dan perhiasan terbaiknya. Ia juga mencerminkan kekayaan suaminya, John Freake, yang mampu membeli kemewahan ini dan menugaskan potret ini serta potretnya sendiri. Lukisan itu juga akan menandakan sikap Puritan mereka yang bersyukur kepada Tuhan, kerana tanpa rahmat-Nya mereka tidak akan dapat memiliki kemewahan ini.

The Swing (1767) oleh Jean-Honore Fragonard

The Swing oleh Jean-Honore Fragonard , 1767, melalui The Wallace Collection, London

Jean-Honore Fragonard 's The Swing adalah contoh gaya rococo dalam kalangan bangsawan Perancis. Lukisan itu adalah komisen persendirian di mana seorang istana Perancis meminta Fragonard untuk mencipta lukisan ini untuk dirinya dan perempuan simpanannya. Walaupun lukisan itu diletakkan di sebalik pintu tertutup, ia mendedahkan kemewahan, kesembronoan, dan sifat rahsia istana diraja Perancis.

Gaun merah jambu pastel menonjol di antara taman yang subur dan menjadi tumpuan utama karya itu. Fragonard melukis pakaian itu dengan sapuan berus longgar yang mencontohi skirt yang menyapu dan korset gaunnya yang runcing. Karya berusnya yang longgar bertepatan dengan subjeknya tentang pemandangan taman yang indah ini yang dipenuhi dengan imejan yang membosankan dan aneh. Dengan semua penyempitan korset, kesibukan, dan penutup pakaian wanita, satu tempat yang tidak ada adalah bahagian bawah skirt wanita. Fragonard menggunakan ini untuk kelebihannya kerana dia menggambarkan wanita itu berayun di tempat yang sesuai supaya kekasihnya boleh melihat ke atas skirtnya. Suruhanjaya swasta membenarkan Fragonard untuk bereksperimen dengan subjeknya dan membenarkan penonton untuk mendedahkan bagaimana kehidupan orang terkaya di mahkamah.

Pakaian Perancis, gaun dari Perancis abad ke-18 , 1770, melalui Muzium Seni Metropolitan, New York

Lukisannya juga mempamerkan trend yang ditetapkan di mahkamah Perancis untuk fesyen. Rococo mengatasi fesyen, seni dan seni bina untuk mencipta sesuatu yang unik dalam bahasa Perancis. Fesyen Rococo termasuk fabrik paling mewah, termasuk sutera berwarna pastel, baldu, renda dan corak bunga. Ia juga termasuk jumlah yang berlebihan busur, permata, ruffles dan perhiasan hiasan untuk mencipta rupa untuk menoleh di gelanggang. Gaya mentakrifkan perbezaan antara orang miskin dan kaya kerana golongan bangsawan mampu membeli kemewahan fabrik halus dan perhiasan. Bagi wanita yang memakai pakaian Rococo seperti itu, lukisan itu adalah lambang istana diraja Perancis sebelum revolusi.

Pakaian Terkenal Dalam Lukisan Abad Ke-19

Abad ke-19 menyaksikan peralihan seni dari Neo-Klasis ke dalam modenisme awal, memberi laluan kepada gaya dan aliran pemikiran. Abad ini juga menyaksikan perubahan dalam fesyen; baca terus untuk melihat bagaimana lukisan mempengaruhi pengenalan pakaian dan gaya terkenal yang lebih moden berbanding sebelum ini.

Symphony in White No.1: The White Girl (1862) oleh James McNeill Whistler

Symphony in White No.1: The White Girl oleh James McNeill Whistler , 1862, melalui Galeri Seni Negara, Washington D.C.

Seni demi seni menjadi berkait dengannya Symphony in White No.1: The White Girl sebagai James McNeill Whistler bertujuan lukisan itu mempunyai makna rohani. Pengkritik, bagaimanapun, tidak melihatnya seperti ini kerana wanita yang digambarkan ialah Joanna Hiffernan (wanita simpanannya pada masa itu). Lebih penting lagi, pakaian yang Whistler pilih untuk melukis Hiffernan yang menutup perjanjian itu dan menjadikan pakaian ini menonjol di antara lukisannya yang lain.

Potret ini adalah skandal pada masa itu kerana penggambaran Whistler tentang pakaian putih tulen wanita. Semasa tahun 1800-an, pakaian wanita selalunya termasuk a sangkar crinoline bawah skirt diperbuat daripada keluli untuk mengekalkan skirt mereka terapung. Wanita juga memakai korset di antara banyak pakaian dalam lain untuk dapat mencipta skirt yang lebih lebar.

Wanita berbaju putih adalah bertentangan dengan standard berpakaian terhormat pada masa itu. Gaun tehnya ialah pakaian yang hanya dibenarkan dilihat oleh suaminya (atau kekasihnya) kerana ia boleh ditanggalkan dengan mudah. Ia adalah pakaian harian yang dipakai secara peribadi dan tidak akan menjadi lebih popular sehingga awal 1900-an untuk pakaian harian.

Bagi Whistler, musenya dimaksudkan untuk menjadi sebahagian daripada adegan keseluruhan yang menyenangkan mata. Dia menggambarkan Hiffernan ketika dia melihatnya dan untuk penonton pada masa itu lukisan itu mengelirukan dan agak tidak senonoh.

Potret Miss Lloyd (1876) dan Julai: Spesimen Potret (1878) oleh James Tissot

Potret Miss Lloyd oleh James Tissot , 1876, melalui The Tate, London (kiri); dengan Julai: Spesimen Potret oleh James Tissot , 1878, melalui Muzium Seni Cleveland (kanan)

James Tissot mencipta banyak lukisan yang menggambarkan fesyen wanita pada akhir 1800-an. Dia mendahului fesyen Eropah dan terkenal kerana melukis subjeknya dengan trend fesyen terkini. Fesyen wanita mula mengambil giliran di kalangan wanita muda di Paris dan London pada akhir 1800-an. Skirt lebar dan berat pendahulu zaman Victoria mereka digantikan dengan skirt yang lebih sempit dan kesibukan penuh di bahagian belakang. Apa yang membuatkan pakaian ini menonjol adalah penggunaan berterusan Tissot dalam lukisannya. Tissot menggunakannya dalam satu lagi lukisannya Galeri HMS Calcutta (Portsmouth) dan dalam ketiga-tiganya dia menggunakannya dalam konteks yang sama sekali berbeza.

Miss Lloyd di sebelah kiri memakai pakaian itu kerana ia akan usang dalam masyarakat. Pakaian ini akan menjadi fesyen pada masa itu kerana pinggang ketat dan sosok jam pasir diserlahkan oleh pakaiannya. Garis lurus pakaiannya juga menunjukkan ketegaran posenya tidak seperti potret di sebelah kanan.

Di sebelah kanan ialah potret Kathleen Newton (rakannya pada masa itu) yang dilihat dalam suasana intim semasa musim panas. Berbanding dengan potret pertama, segala-galanya tentang cara dia menggambarkan pakaian itu memancarkan lesu dan menggoda. Kelihatan Newton sedang berbaring di atas sofa dan pakaiannya kelihatan kusut dan tidak dipakai. Skirtnya mengalir bebas di atas sofa, dan pelbagai busur dan pengancing dibuka.

Kedua-dua wanita mempunyai daya tarikan dan misteri tersendiri yang menyelubungi mereka. Pakaian itu sendiri menandakan perbezaan dalam budaya popular pada zamannya. Satu adalah tradisional dan konvensional manakala satu lagi secara terang-terangan intim lagi memalukan bagi penonton pada tahun 1800-an.

Potret Puan X (1883) oleh John Singer Sargent

Potret Puan X oleh John Singer Sargent , 1883-84, melalui Muzium Seni Metropolitan, New York

Sesiapa yang berdiri di hadapan Puan X terpegun dengan perawakan dan sinaran potretnya. John Singer Sargent mencipta imej seorang wanita yang, walaupun ia tidak boleh diterima pada zamannya, telah menjadi salah satu lukisannya yang paling dikenali dan dihormati. Ia adalah potret Madame Pierre Gautreau, seorang kecantikan Amerika yang bercampur dalam masyarakat tinggi Perancis. Ia mencipta skandal sehingga John Singer Sargent sendiri terpaksa meninggalkan Paris ke London.

Walaupun pakaian yang serupa dengannya akan dipakai sebagai pakaian atau untuk pesta, mereka tidak lusuh dalam masyarakat seharian. Terdapat butiran tertentu yang menjadikan pakaian ini sangat memalukan. Korsetnya sangat runcing ke arah bahagian bawah perutnya. Garis leher v yang menjunam tajam dan tali manik hampir tidak menutupi bahunya dan mendedahkan apa yang dianggap bahagian intim seorang wanita, oleh itu tidak sesuai untuk dipamerkan di khalayak ramai.

Gaun malam direka oleh Hoschedé Rebours , 1885, melalui Muzium Seni Metropolitan, New York

Selepas Sargent menyerahkan lukisan itu ke Paris Salon pada tahun 1884, ia menimbulkan kemarahan di kalangan pengkritik dan penonton. Ia menimbulkan kontroversi bagi seorang wanita yang sudah berkahwin sekelasnya untuk dilihat secara terbuka dengan cara yang begitu provokatif. Bagi penonton di Salon, ia kelihatan seolah-olah dia memakai seluar dalam dan bukannya pakaian sebenar. Lukisan itu merosakkan Mme. Reputasi Gautreau sebagai orang ramai melihat potretnya sebagai cerminan personaliti cabul.

Ia pada asalnya tidak sepatutnya menjadi terjemahan literal Mme. watak Gautreau. Sargent sendiri memilih pakaian dan posturnya, dan alat peraga menyerupai kuno patung Rom merujuk kepada Diana, dewi perburuan dan bulan . Penciptaan ini akan merosakkan reputasi mereka berdua. Sargent akhirnya mengeluarkan namanya daripada potret itu, menamakannya semula Puan X .

Pakaian Terkenal Dalam Lukisan Abad Ke-20

Seni pada abad ke-20 tertumpu pada abstraksi dan ekspresi, mengalami perubahan ketara dengan gaya dan tema baharu. Ini juga membawa kepada penerokaan bentuk baru dan sintesis fesyen dan seni . Berikut adalah pakaian terkenal yang dilihat dalam lukisan semasa abad inovatif.

Potret Adele Bloch-Bauer I (1907) Oleh Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I oleh Gustav Klimt , 1907, melalui Galeri Baru, New York

Pakaian emas Adele Bloch-Bauer menunjukkan Gustav Klimt ' gambaran seorang wanita yang tidak terkawal oleh dunia di sekelilingnya. Berbanding dengan potret wanita masyarakat tinggi yang lain pada zamannya, potret ini menonjol di kalangan yang lain. Daripada melukis wanita kelas atasan yang sedang bersantai di taman atau membaca di atas sofa, Klimt mengubah Adele menjadi sosok dunia lain. Pakaiannya adalah figura berputar yang dipenuhi dengan segitiga, mata, segi empat tepat dan ikonografi. Tiada tanda korset bertali lurus atau lapisan atas lapisan pakaian. Sebaliknya, dia dicontohkan sebagai tanpa halangan ketika dia terapung dalam dunia emasnya. Art Nouveau mengandungi tema alam semula jadi dan imejan mitos. Ia juga berkaitan dengan fesyen bohemian yang Klimt pakai sendiri dan digunakan dalam pelbagai lukisan lain.

Emilie Flöge dan Gustav Klimt di Taman Villa Oleander di Kammer di Tasik Attersee , 1908, melalui Muzium Leopold, Vienna

Klimt sering melukis reka bentuk yang dicipta oleh pereka fesyen Emilie Flöge . Dia tidak begitu dikenali sebagai rakan seangkatan atau pendahulunya dalam dunia fesyen, tetapi dia mengambil langkah yang memberangsangkan dalam mencipta fesyen untuk wanita pada zamannya. Kadang-kadang ia adalah usaha kolaboratif kerana Klimt menggunakan pakaian terkenalnya dalam kebanyakan lukisannya yang lain. Pakaian Flöge mempunyai siluet longgar dan lengan lebar, yang tidak termasuk korset atau pakaian dalam ketat yang lain. Karya Klimt dan Flöge memajukan cara hidup bohemian dengan sempadan kabur antara tradisional dan tidak konvensional seperti yang dilihat dalam potret Adele Bloch-Bauer.

Pemuzik (1929) Oleh Tamara Lempicka

Pemuzik oleh Tamara de Lempicka , 1929, melalui Christie's

Tamara Lempicka mencipta potret yang meneroka kewanitaan dan kemerdekaan pada tahun 1920-an. Pelukis art deco itu terkenal dengan potret selebritinya yang meneroka bentuk yang bergaya dan digilap. Kubisme itu menjadi tanda dagangannya. Ira Perrot (rakan rapat dan kekasih Lempicka) dilihat sebagai manifestasi literal muzik dalam Pemuzik . Apa yang menyerlahkan lukisan itu ialah rendering gaun birunya. Teknik Lempicka mengeluarkan bayang-bayang tajam dengan palet warna tepunya memberikan pergerakan pada pakaian itu sehingga kelihatan dia terapung di udara. Garis labuh pendek pakaian dan lipatan bertingkat masih mengingatkan fesyen tahun 1920-an , yang merupakan titik perubahan dalam fesyen wanita. Wanita memakai pakaian terkenal yang menampakkan kaki dan tangan mereka sambil memakai skirt berlipat yang memudahkan untuk menari.

Lempicka telah diilhamkan oleh dan mengkaji karya Seniman Renaissance Sarjana dan menggunakan tema yang serupa dengan pendekatan moden. Secara tradisinya warna biru boleh dilihat pada gaun Perawan Maria dalam lukisan Zaman Pertengahan atau Renaissance. Biru ultramarine jarang berlaku dan digunakan dengan jarang untuk lukisan penting. Di sini, Lempicka tidak gentar untuk menggunakan warna sebagai titik fokus dominan dalam potret. Biru ini, bersama-sama dengan penggunaan cat licinnya yang sangat kuat, yang menguatkan kilauan dan keanggunan pakaiannya yang mengalir.

Dua Fridas (1939) Oleh Frida Kahlo

Dua Fridas oleh Frida Kahlo , 1939, di Muzium Seni Moden, Mexico City, melalui Google Arts and Culture

Tekstil Mexico yang berwarna-warni dan tenunan tangan digabungkan dengan warisan Frida Kahlo . Dia memeluk pakaian ini sebagai sebahagian daripada warisannya dan dilihat memakainya dalam beberapa potret diri dan gambar. Pakaian terkenal yang ditunjukkan dalam Frida Kahlo Dua Fridas melambangkan hubungannya dengan kedua-dua belah warisan Eropah dan Mexiconya.

Frida di sebelah kiri mencerminkan didikannya dalam keluarga kelas menengah atas. Bapanya berasal dari Jerman, dan kehidupan rumah masa kecilnya mengandungi adat barat. Renda putih pakaiannya adalah simbolik gaya yang popular dalam fesyen Eropah. Versi barat ini berbeza dengan keinginan Frida yang betul untuk memeluk warisan Mexiconya dengan memakai pakaian tradisional Tehuana. Pakaian ini adalah sesuatu yang digalakkan oleh suaminya Diego Rivera , terutamanya dalam perjuangan mereka untuk perubahan di negara mereka. Ia mempamerkan rasa bangganya memakai pakaian asli dan tradisional dari Mexico.

Pakaian Kahlo adalah aspek penting dalam kehidupan dan pekerjaannya. Selepas dijangkiti polio semasa kecil, sebelah kakinya lebih pendek daripada yang lain. Skirtnya yang berwarna-warni menjadi cara untuknya menyembunyikan kakinya dengan cara yang melindunginya daripada penelitian. Almari pakaiannya termasuk pakaian Tehuana, blaus huipil, rebozo, tudung bunga dan barang kemas antik. Pakaian ini penting untuk diperhatikan apabila melihat karya Kahlo, kerana ia adalah ilustrasi cinta, kesakitan dan penderitaan yang dia sertakan dalam kerjanya.