9 Kali Sejarah Pereka Fesyen Diilhamkan Seni

Linda Evangelista dalam gaun 'Warhol Marilyn' oleh Gianni Versace, 1991; dengan gaun The Mondrian oleh Yves Saint Laurent, koleksi musim luruh/sejuk 1965; dan pakaian dari koleksi resort oleh Alexander McQueen, 2013

Sepanjang sejarah, fesyen dan seni berjalan seiring, mencipta gabungan yang hebat. Ramai pereka fesyen telah meminjam idea daripada pergerakan seni untuk koleksi mereka, membolehkan kami mentafsir fesyen sebagai satu bentuk seni. Terutamanya, seni membantu kita untuk menyatakan idea dan visi. Sebagai pujian indah kepada sejarah seni, di bawah adalah sembilan karya seni boleh pakai yang diilhamkan oleh pereka fesyen berwawasanabad ke-20.

Madeleine Vionnet: Pereka Fesyen Yang Menyalurkan Sejarah Purba

Kemenangan Bersayap Samothrace , abad ke-2 BCE, melalui Louvre, Paris

Dilahirkan di utara-tengah Perancis pada tahun 1876, Puan Vionnet dikenali sebagai arkitek pembuat pakaian.Semasa tinggal di Rom, dia terpesona dengan seni dan budaya tamadun Yunani dan Rom serta diilhamkan oleh dewi dan patung purba.Berdasarkan karya seni ini, dia membentuk gaya estetik dan gabungan elemen arca dan seni bina Greek untuk memberi dimensi baharu kepada tubuh wanita. Dengan kemahiran tuannya draping dan pakaian pemotongan berat sebelah , dia merevolusikan fesyen moden. Vionnet sering bertukar kepada karya seni seperti Kemenangan Bersayap Samothrace untuk koleksi kreatifnya.

Persamaan antara karya agungHellenistikseni dan muse Vionnet adalah menarik perhatian.Langsir dalam fabrik dalam gaya chiton Greek mencipta jalur menegak cahaya yang mengalir ke bawah rajah.Arca itu dicipta sebagai penghormatan kepada Nike, dewi Yunani kemenangan, dan dikagumi kerana gambaran pergerakannya yang realistik. Langsir rekaan Vionnet yang mengalir menyerupai pergerakan fabrik berkepul-kepul yang melekap pada badan Nike.Pakaian boleh menjadi seperti makhluk hidup dengan jiwa, sama seperti badan. Seperti yang Kemenangan Bersayap Samothrace , Vionnet mencipta pakaian yang menyedarkan manusia. Klasikisme, baik sebagai falsafah estetik dan reka bentuk, memberikan Vionnet keupayaan untuk menyampaikan visinya dalam keharmonian geometri.

Pakaian hiasan hiasan bes oleh Madeleine Vionnet , difoto oleh George Hoyningen-Huene untuk Vogue Perancis, 1931, melalui Condé Nast

Vionnet juga tertarik dengan pergerakan seni moden, seperti Kubisme . Dia mula menggabungkan bentuk geometri ke dalam ciptaannya dan membangunkan kaedah yang berbeza untuk memotongnya, dipanggil pemotongan berat sebelah. Sudah tentu, Vionnet tidak pernah mendakwa bahawa dia mencipta potongan berat sebelah, tetapi hanya diperluaskan penggunaannya . Ketika wanita mencapai kemajuan besar dalam memperjuangkan hak mereka pada awal abad ke-20, Vionnet mempertahankan kebebasan mereka dengan menghapuskan korset Victoria yang tahan lama daripada pakaian harian wanita. Oleh itu, dia menjadi simbol wanita pembebasan daripada penyempitan bustiers , dansebaliknya melancarkan fabrik baharu yang lebih ringanterapung di atas badan wanita.

Adakah anda menikmati artikel ini?

Daftar ke Surat Berita Mingguan Percuma kamiSertai!Memuatkan...Sertai!Memuatkan...

Sila semak peti masuk anda untuk mengaktifkan langganan anda

Terima kasih!

Valentino Dan Hieronymus Bosch

The Garden of Earthly Delights oleh Hieronymus Bosch , 1490 – 1500, melalui Muzium Prado, Madrid

Pierpaolo Piccioli ialah pereka utama Valentino. Karya seni keagamaan dari Zaman Pertengahanbanyak merayu kepadanya.Titik permulaan inspirasi baginya adalah detik peralihan dari zaman pertengahan ke Renaissance Utara. Dia bekerjasama dengan Zandra Rhodes dan bersama-sama mereka mereka bentuk koleksi yang memberi inspirasi pada Musim Bunga 2017. Piccioli mahu menghubungkan budaya punk lewat tahun 70-an dengan humanisme dan seni zaman pertengahan, jadi dia pergi kembali kepada dia akar dan Renaissance, mencari inspirasi dalam Hieronymus Bosch melukis Taman Nikmat Duniawi .

Pelukis Belanda yang terkenal adalah salah seorang yang paling terkenal wakil Renaissance Utara semasa abad ke-16. Dalam Taman Kenikmatan Duniawi yang dilukis oleh Bosch sebelum Reformasi, artis itu ingin menggambarkan Syurga dan penciptaan manusia, godaan pertama dengan Adam dan Hawa, dan Neraka, menjangkakan pendosa. Dalam panel tengah, orang kelihatan memuaskan selera mereka dalam dunia yang mencari kesenangan. Ikonografi Bosch menonjol kerana keaslian dan keghairahannya. Keseluruhan lukisan itu ditafsirkan sebagai kiasan untuk dosa.

Model di landasan di pertunjukan fesyen Valentino Spring Summer 2017 semasa Minggu Fesyen Paris , 2016, Paris, melalui Getty Images

Di dalam dunia fesyen , lukisan itu mendapat populariti kerana pelbagai pereka fesyen terpesona dengan motifnya. Menggabungkan era dan estetika, Piccioli ditafsir semula Simbol Bosch melalui gaun belaka terapung, manakala Rhodes mencipta cetakan romantis dan corak bersulam, dengan anggukan halus pada karya seni asal. Warna pastinya sebahagian daripada mesej yang ingin disampaikan oleh pereka fesyen. Oleh itu, koleksi pakaian termenung terapung adalah berdasarkan palet warna Utara iaitu hijau epal, merah jambu pucat, dan biru telur robin.

Dolce & Gabbana Dan Baroque Peter Paul Rubens

Venus di Hadapan Cermin oleh Peter Paul Rubens , 1615, melalui Koleksi Putera Liechtenstein, Vienna; dengan Koleksi fesyen Dolce & Gabbana untuk musim luruh/musim sejuk 2020 yang difoto oleh Nima Benati , melalui laman web Nima Benati

Peter Paul Rubens melukis wanita dengan mahir, ' dengan kasih sayang, keilmuan dan ketekunan .’ Dia membentangkan miliknya Zuhrah di Hadapan Cermin sebagai lambang kecantikan yang muktamad. Rubens sangat menggambarkan kulitnya yang cerah dan rambut cerah yang berbeza dengan hamba perempuan berkulit gelap itu. The cermin adalah simbol kecantikan yang muktamad , yang membingkai wanita itu seperti potret, sambil secara halus menekankan aurat figura itu. Cermin yang dipegang Cupid untuk dewi mendedahkan pantulan Venus, sebagai gambaran keinginan seksual. Rubens, yang merupakan salah seorang pengasas Seni barok , dan konsepnya di mana warna lebih penting daripada garis, mempengaruhi beberapa pereka fesyen termasuk Dolce & Gabbana. The Gaya barok terpesong dari semangat Renaissance , meninggalkan kedamaian dan kelancaran, dan sebaliknya mengejar keanggunan, keterujaan dan pergerakan.

Peace Embracing Plenty oleh Peter Paul Rubens , 1634, melalui Yale Center for British Art, New Haven; dengan Koleksi fesyen Dolce & Gabbana untuk musim luruh/musim sejuk 2020, difoto oleh Nima Benati , melalui laman web Nima Benati

Para pereka fesyenDomenico Dolce dan Stefano Gabbana ingin mencipta kempen yang akan memuji sisi sensual tetapi juga sisi romantis kecantikan wanita. Peter Paul Rubens adalah sumber inspirasi yang paling sesuai. Hasil ciptaan duo ikonik itu sangat harmoni dengan seni pelukis Flemish. Dalam koleksi ini, model bergambar dengan bangsawan yang hebat, kelihatan seperti mereka baru melompat keluar dari salah satu lukisan Rubens. Pemandangan itu direka untuk mengingatkan kembali cermin barok dan butiran sulaman. Keanggunan figura dan palet warna pastel menyerlahkan gaun merah jambu brokat dengan sempurna. Pilihan pereka fesyen untuk memasukkan model yang pelbagai lebih-lebih lagi mempromosikan jenis badan era itu. Garisan melengkung yang digunakan Dolce dan Gabbana bertentangan dengan diskriminasi jenis badan yang berbeza dalam industri fesyen.

Potret Anne of Austria oleh Peter Paul Rubens , 1621-25, melalui Rijksmuseum, Amsterdam; dengan Model Lucette van Beek di landasan Dolce & Gabbana, Musim Gugur 2012 , difoto oleh Vittorio Zunino Celotto, melalui Getty Images

Koleksi wanita Dolce and Gabbana's Fall 2012 memaparkan banyak ciri seni bina Baroque Itali. Koleksi ini bertepatan dengan ciri-ciri berhias tinggi Gaya Baroque Sicily . Pereka fesyen memberi tumpuan kepada seni bina Baroque seperti yang dilihat di Gereja Katolik Sicily. Titik rujukan ialah lukisan Rubens Potret Anne dari Austria . Dalam dirinya potret diraja , Anne dari Austria diwakili memakai fesyen Sepanyol. milik Anne gaun hitam dihias , dengan jalur menegak sulaman hijau dan butiran emas. Lengan berbentuk loceng, dikenali sebagai Lengan Besar Sepanyol juga merupakan tandatangan gaya Sepanyol, serta kolar renda yang bergolek. Pakaian dan jubah yang direka dengan seni yang diperbuat daripada tekstil mewah seperti renda dan brokat mencuri perhatian pertunjukan Dolce dan Gabbana.

Sejarah Seni Dan Fesyen: Kelakuan El Greco Dan Cristobal Balenciaga

Fernando Nino de Guevara oleh El Greco (Domenikos Theotokopoulos), 1600, melalui The Met Museum, New York

Christopher Balenciaga boleh disifatkan sebagai seorang pakar fesyen sejati yang memperbaharui fesyen wanita pada abad ke-20. Dilahirkan di sebuah kampung kecil di Sepanyol, dia memindahkan intipati sejarah seni Sepanyol ke dalam reka bentuk kontemporarinya. Sepanjang kerjayanya, Balenciaga kagum dengan Renaissance Sepanyol . Dia sering mencari inspirasi diraja Sepanyol dan ahli paderi. Balenciaga mengubah pakaian gereja dan pakaian monastik era itu menjadi karya agung fesyen yang boleh dipakai.

Salah satu inspirasi hebatnya ialah Mannerist El Greco, juga dikenali sebagai Dominikos Theotokopoulos. Melihat kepada El Greco Kardinal Fernando Nino de Guevara , terdapat persamaan antara tanjung Cardinal dan reka bentuk Balenciaga. Lukisan itu menggambarkan kardinal Sepanyol, Fernando Niño de Guevara, zaman El Greco di Toledo. Idea El Greco diperoleh daripada Neoplatonisme Renaissance Itali, dan dalam potret ini, beliau mempersembahkan kardinal sebagai lambang rahmat Tuhan . Mannerism terdapat di seluruh lukisan. Ia ketara pada sosok memanjang dengan kepala kecil, pada anggota badan yang anggun tetapi pelik, warna-warna pekat, dan penolakan ukuran dan perkadaran Klasik.

Seorang model memakai kot petang berwarna merah oleh Cristóbal Balenciaga, Minggu Fesyen Paris, 1954-55, melalui Google Arts and Culture

Keghairahan Balenciaga terhadap pakaian bersejarah terserlah dalam kot malam yang mewah dari koleksi tahun 1954 ini. Dia mempunyai visi dan keupayaan untuk mencipta semula bentuk kepada fesyen kontemporari . Kolar penyataan yang dibesar-besarkan pada kot ini meniru kebekuan jubah Cardinal. Warna merah dalam pakaian kardinal melambangkan darah dan kesanggupannya untuk mati kerana iman. Warna merah terang itu dianggap luar biasa oleh pereka terkenal kerana dia sering menggemari kombinasi warna berani dan rona terang. Inovasi hebatnya ialah menghilangkan garis pinggang dan memperkenalkan garis cecair, potongan ringkas dan lengan tiga suku. Dengan melakukan ini, Balenciaga merevolusikan fesyen wanita.

Pereka bentuk juga memperkenalkan lengan panjang gelang, yang membolehkan wanita mempamerkan perhiasan mereka. Semasa tahun 1960-an, manakala pengenalan progresif wanita ke dalam industri kerja sedang berlaku, Balenciaga mempunyai idea untuk memberikan keselesaan, kebebasan dan fungsi kepada wanita yang dia berpakaian. Dia mempromosikan pakaian longgar dan selesa yang berbeza dengan siluet ketat pada masa itu.

Simbolisme Alexander McQueen Dan Gustav Klimt

Pemenuhan oleh Gustav Klimt , 1905, melalui MAK – Muzium Seni Gunaan, Vienna; dengan Pakaian dari koleksi resort oleh Alexander McQueen , 2013, melalui Majalah Vogue

Pelukis Austria, tuan Simbolisme , dan pengasas Vienna Pemisahan diri pergerakan, Gustav Klimt menandakan sejarah seni abad ke-20. Lukisan dan estetika artistiknya telah lama menjadi inspirasi untuk pereka fesyen . Antara lain seperti Aquilano Rimoldi, L'Wren Scott, dan Christian Dior, pereka yang merujuk secara langsung Klimt ialah Alexander McQueen. Dalam koleksi resort untuk koleksi musim bunga/musim panas 2013, dia mereka bentuk kepingan unik yang nampaknya diilhamkan oleh karya pelukis . Melihat gaun hitam yang mengalir dengan corak emas berulang di atas - lukisan tertentu mungkin terlintas di fikiran. McQueen menggunakan corak abstrak, geometri dan mozek dalam ton gangsa dan emas yang menggabungkannya ke dalam reka bentuknya.

Pada tahun 1905, Gustav Klimt melukis Pemenuhan , gambaran pasangan yang terperangkap dalam pelukan lembut, yang menjadi simbol cinta. Pelukis Austria itu terkenal dengan lukisan emasnya tetapi juga untuk gabungan abstraksi dan warna yang sempurna dalam karya ini. Semua mozek mempunyai rona keemasan yang kaya dengan hiasan kaleidoskopik atau terbitan alam semula jadi yang mempunyai impak yang besar pada fesyen. Lukisan ini bersemangat kerana bentuk geometri yang berbeza antara pakaian dua kekasih. Pakaian lelaki termasuk petak hitam, putih dan kelabu, manakala pakaian wanita dihiasi dengan bulatan bujur dan motif bunga. Dengan cara itu, Klimt mahir menggambarkan perbezaan antara maskulin dan feminin .

Christian Dior, The Pereka Impian, Dan Claude Monet Lukisan Impresionis

The Artist’s Garden at Giverny oleh Claude Monet , 1900, melalui Muzium Seni Hiasan, Paris

Pengasas kepada Impresionisme dan salah seorang pelukis Perancis terhebat dalam sejarah seni, Claude Monet meninggalkan oeuvre seni yang besar. Menggunakan rumah dan tamannya di Giverny sebagai inspirasi, Monet merakam landskap semula jadi dalam lukisannya. Khususnya, dalam lukisan bernama Taman Seniman di Giverny, dia berjaya memanipulasi landskap semula jadi mengikut keperluannya. Kontras laluan berlumpur coklat dengan warna bunga yang terang menambah pemandangan. Impresionis terkenal sering memilih bunga iris untuk warna ungu untuk memberikan kesan matahari yang terang. Lukisan ini penuh dengan kehidupan, kerana bunga-bunga mekar dan memeluk musim bunga. Kelopak bunga mawar dan ungu, iris, dan melati adalah sebahagian daripada syurga yang berwarna-warni, yang dipamerkan pada kanvas putih.

Pakaian Miss Dior oleh Christian Dior Haute Couture , 1949, melalui Muzium Seni Hiasan, Paris

Dalam semangat yang sama, Christian Dior , perintis couture Perancis, membuat tanda besar pada dunia fesyen yang masih dirasai hari ini. Pada tahun 1949, beliau mereka bentuk koleksi Haute Couture untuk musim bunga/musim panas. Salah satu kemuncak pameran itu adalah ikonik Cik Dior gaun, bersulam sepenuhnya dengan kelopak bunga dalam warna merah jambu dan ungu yang berbeza. Dior menggambarkan dengan sempurna dua dunia seni dan fesyen serta meniru estetika Monet ke dalam pakaian berfungsi ini. Dia pernah menghabiskan banyak masa di luar bandar, melukis koleksinya dalam koleksinya taman di Granville , sama seperti yang dilakukan oleh Monet. Dengan cara itu, dia mentakrifkan gaya 'Dior' yang elegan , menggabungkan palet warna dan corak bunga Monet ke dalam ciptaannya.

Yves Saint Laurent, Mondrian Dan De Stijl

Komposisi dengan Merah, Biru dan Kuning oleh Piet Mondrian, 1930, melalui Muzium Kunsthaus Zurich; dengan Pakaian Mondrian oleh Yves Saint Laurent , koleksi musim luruh/sejuk 1965, melalui Muzium Met, New York

Mondrian adalah salah seorang artis pertama yang melukis seni abstrak pada abad ke-20. Dilahirkan di Belanda, pada tahun 1872, beliau memulakan keseluruhan gerakan seni yang dipanggil gayanya . Matlamat pergerakan itu adalah untuk menggabungkan seni dan kehidupan moden . Gaya, juga dikenali sebagai Neoplasticism, adalah satu bentuk seni abstrak di mana hanya menggunakan prinsip geometri dan warna primer, seperti merah, biru, dan kuning digabungkan dengan neutral (hitam, kelabu, dan putih). Gaya inovatif Mondrian pada awal 1900-an mempunyai pereka fesyen yang mereplikasi jenis seni abstrak tulen ini. Contoh terbaik lukisan De Stijl ialah Komposisi dengan Merah Biru dan Kuning .

Sebagai pencinta seni, pereka fesyen Perancis Yves Saint Laurent menggabungkan lukisan Mondrian ke dalam ciptaan haute couturenya. Dia pertama kali diilhamkan oleh Mondrian apabila membaca buku mengenai kehidupan artis yang diberikan ibunya untuk Krismas.

Pakaian Mondrian di Muzium Seni Moden oleh Yves Saint Laurent, 1966, melalui Khan Academy

Yves Saint Laurent juga berkata: ''Mondrian adalah kesucian, dan anda tidak boleh pergi lebih jauh dalam lukisan. Karya agung abad kedua puluh adalah Mondrian.

Pereka bentuk menunjukkan penghargaannya terhadap Mondrian dalam koleksi musim gugur 1965, yang dikenali sebagai Koleksi Mondrian . Diilhamkan oleh garis geometri pelukis dan warna berani, dia mempersembahkan enam pakaian koktel itu menandakan gaya ikoniknya dan era enam puluhan secara amnya. Setiap daripada Pakaian Mondrian sedikit berbeza tetapi mereka semua mempunyai persamaan bentuk garis A yang ringkas dan paras lutut tanpa lengan yang menyanjung setiap jenis badan.

Elsa Schiaparelli Dan Salvador Dali

Tiga wanita surealis muda memegang di tangan mereka kulit sebuah orkestra oleh Salvador Dalí ,1936, melalui Muzium Dali, St. Petersburg, Florida

Dilahirkan pada tahun 1890 dalam keluarga bangsawan yang berpangkalan di Rom, Elsa Schiaparelli tidak lama kemudian menyatakan cintanya kepada dunia fesyen. Dia akan mula mengembangkan gaya revolusionernya yang diilhamkan oleh Futurisme, Dadaist , dan surealisme . Semasa kerjayanya berkembang, dia bersambung dengan Surrealists dan Dadais terkenal seperti Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp , dan Jean Cocteau. Dia juga bekerjasama dengan artis Sepanyol Salvador Dali. Ketaksaan estetika dan surealisnya menjadikan Dali sebagai pelukis yang paling terkenal Gerakan surealisme .

The Tears Dress oleh Elsa Schiaparelli dan Salvador Dali , 1938, melalui Muzium Victoria dan Albert, London

Salah satu yang terhebat kerjasama dalam sejarah fesyen adalah Dali dan Elsa Schiaparelli. Gaun ini dicipta bersama dengan Salvador Dali , sebagai sebahagian daripada koleksi Circus Schiaparelli pada musim panas 1938. Pakaian itu merujuk kepada lukisan Dali, di mana dia menggambarkan wanita dengan daging koyak.

Gambar Salvador Dalií dan Elsa Schiaparelli , c.1949, melalui Muzium Dalí

Bagi artis surealis, pencarian wanita idaman pasti gagal , kerana ideal hanya wujud dalam imaginasi mereka, dan bukan dalam realiti. Niat Dali, bagaimanapun, bukan menggambarkan wanita secara realistik, oleh itu badan mereka sama sekali tidak menyenangkan dari segi estetika. Schiaparelli ingin bereksperimen dengan permainan menyembunyikan dan mendedahkan badan ini, memberikan ilusi kelemahan dan pendedahan. Pakaian Ilusi Koyak diperbuat daripada krep sutera biru pucat dan cetakan itu direka oleh Dalí untuk menyerupai tiga wanita dari lukisannya. Air mata mendedahkan bahagian bawah kain merah jambu, dengan merah jambu lebih gelap terserlah di dalam lubang.

Pereka Fesyen & Seni Pop: Gianni Versace Dan Andy Warhol

Marilyn Diptych oleh Andy Warhol , 1962, melalui Tate, London

The Seni Pop era mungkin merupakan tempoh paling berpengaruh bagi pereka fesyen dan artis dalam sejarah seni. Andy Warhol mempelopori gabungan budaya pop dan fesyen tinggi yang menjadikannya ikonik simbol pergerakan Seni Pop . Pada tahun enam puluhan, Warhol mula mempraktikkan teknik tandatangannya yang dikenali sebagai percetakan skrin sutera.

Salah satu karya terawal dan tidak syak lagi yang paling terkenal ialah Marilyn Diptych . Untuk karya seni ini, dia mengambil inspirasi bukan sahaja dari budaya pop tetapi juga dari sejarah seni dan pelukis ekspresionisme abstrak. Warhol menawan dua dunia Marily Monroe, kehidupan awam bintang Hollywood, dan realiti tragis Norma Jeane, wanita yang bergelut dengan kemurungan dan ketagihan. Diptych menguatkan semangat di sebelah kiri, manakala di sebelah kanan ia memudar menjadi kegelapan dan kekaburan. Dalam usaha untuk menghadirkan masyarakat konsumerisme dan materialisme , beliau menggambarkan individu sebagai produk dan bukannya manusia.

Linda Evangelista dalam gaun 'Warhol Marilyn' oleh Gianni Versace , 1991

Pereka Itali Gianni Versace mempunyai a persahabatan yang berpanjangan bersama Andy Warhol. Kedua-dua lelaki itu terpesona dengan budaya popular. Untuk memperingati Warhol, Versace mendedikasikan Koleksi Musim Bunga/Musim Panas 1991 kepadanya. Salah satu pakaian itu menampilkan cetakan Marilyn Monroe Warhol. Dia menggabungkan potret Marilyn dan James Dean yang disaring sutera berwarna cerah yang berasal dari tahun 1960-an ke dalam skirt dan pakaian maxi.