25 Lukisan Terkenal: Karya Karya Terpilih Di Muzium

Montagne Saint-Victoire oleh Paul Cézanne (1887), The Hunters in the Snow oleh Pieter Bruegel (1565), View of Toledo oleh El Greco (1596), Blue Horses oleh Franz Marc (1911).

Kami belajar tentang lukisan terkenal, karya agung, sejak kami masih muda. Walaupun pada usia ini, kita boleh menghargai sesuatu keindahan yang dihasilkan oleh bentuk dan warna. Semasa kami meneroka muzium dan galeri, kami memilih cita rasa kami sendiri untuk keindahan, penghargaan budaya, dan pertimbangan kami sendiri tentang apa itu karya agung. Selalunya, penerokaan kami membawa kami kembali kepada karya agung kanonik yang kini boleh kami hargai dalam cahaya baharu, keadaan fikiran baharu; hanya selepas kami telah mengembangkan pengetahuan kami tentang apa yang menjadikan lukisan itu mahir.

Inilah 25 Lukisan Paling Terkenal Di Muzium

25. Ratapan Kristus Oleh Giotto

Ratapan Kristus oleh Giotto, 1305, Fresco, di Scrovegni Chapel, Padua

Giotto Ratapan menunjukkan kepada kita adegan berkabung yang dikoreografi dengan indah di sekeliling tubuh Kristus, dicerminkan oleh para malaikat yang melambung dalam kesakitan di langit biru. Pemandangan ini diambil daripada kerja lukisan dinding Giotto yang dilakukan di gereja kecil arena di Padua, Itali. Giotto, di sini, telah berpecah dengan tradisi lukisan yang mantap, orang Byzantine , dan menyambut fajar Zaman Renaissance . Penggunaan landskapnya, dinding batu, membawa mata ke bawah kepada Kristus dan wajah kesedihan Bunda Maria.

Giotto membingkai Kristus dengan dua sosok besar yang telah membelakangi kita, sebuah karya komposisi asal untuk masa itu, dan menawarkan pemandangan ilahi ini sebagai sesuatu yang sangat manusiawi. Kita boleh berhubung dengan orang yang berkabung kerana realisme intuitif yang dibawa Giotto ke dalam lukisan dindingnya. Giotto sedang menghasut bahasa visual baharu untuk mengekspresikan adegan yang mempunyai kepentingan keagamaan.

24. Taman Nikmat Duniawi , Butiran Daripada Neraka Oleh Hieronymus Bosch

Taman Kenikmatan Duniawi (Perincian: Neraka) oleh Hieronymus Bosch , 1503-15, melalui Muzium Prado, Madrid

Adakah anda menikmati artikel ini?

Daftar ke Surat Berita Mingguan Percuma kamiSertai!Memuatkan...Sertai!Memuatkan...

Sila semak peti masuk anda untuk mengaktifkan langganan anda

Terima kasih!

Hieronymus Bosch Taman Nikmat Duniawi adalah triptych yang menunjukkan perkembangan dari Syurga ke Neraka. Lukisan-lukisan untuk setiap bahagian adalah besar dan dipenuhi dengan alat-alat imaginasi yang mengagumkan, mengejutkan, yang telah dibingungkan oleh ahli sejarah seni. Seperti yang dapat dilihat dari perincian ini, kanvas itu penuh dengan teka-teki dan adegan yang membingungkan penonton. Kemahiran Bosch dalam memberikan penglihatannya yang fantastik menggembirakan dan mengejutkan penonton. Kanvas surealisnya dilitupi dengan figura pelik yang menarik perhatian penonton.

Kegembiraan dan kengerian Neraka hampir tidak dapat ditembusi oleh fakulti rasa penonton tetapi, bagaimanapun, emosi kita dibangkitkan seolah-olah kita faham. Kita tahu kita melihat Neraka dalam segala keburukannya dan ia amat mengerikan dalam setiap erti kata. Bosch telah berjaya menyampaikan keganasan, kebencian, dan keajaiban melalui ketidakselarasan.

23. Makan malam terakhir Oleh Jacopo Tintoretto

Makan malam terakhir oleh Jacopo Tintoretto, 1592, di Gereja San Giorgio Maggiore, Venice

milik Tintoretto Makan malam terakhir menunjukkan keasyikan yang indah dengan kesan cahaya di bahagian dalam yang bercahaya malap. Tintoretto sedang mengubah perspektif biasa Makan malam terakhir untuk menghasilkan gubahan yang menarik. Kita mungkin terfikir Leonardo da Vinci rendering terkenal dengan penggunaan perspektif linear. Di sini, kita dipandu oleh penyinaran cahaya: bayang-bayang yang dilemparkan dari leher wanita yang berkhidmat membawa mata kita terus kepada Yesus Kristus.

Malaikat yang indah, lapang, muncul seperti asap yang mengepul menyelubungi bilik. Ia adalah kanvas yang dipenuhi dengan pergerakan. Tintoretto menyelitkan kanvas dengan keindahan yang memikat, yang disusun mengikut permainan cahaya. Tintoretto mengalu-alukan penonton ke dalam adegan di mana cahaya Kristus memakan dan memaklumkan penglihatan kita.

22. Pemburu Dalam Salji Oleh Pieter Bruegel

Pemburu di Salji oleh Pieter Bruegel , 1565, melalui Muzium Kunsthistorisches Vienna

Bruegel 's Pemburu di Salji surut jauh ke kampung di bawah tebing tinggi yang diliputi salji. Bruegel telah mencipta kekaburan di sekitar perasaan hangat pulang ke rumah dan kekurangan makanan yang kelihatan seperti pemburu pulang. Para peluncur ais yang jauh menikmati apa yang ditawarkan oleh musim sejuk kepada mereka manakala pemburu, di latar depan, bersama-sama dengan anjing pemburu kurus mereka, telah menentang kerosakan musim sejuk.

Lukisan itu membangkitkan fakulti membuat naratif ini dalam penonton; ia meminta mereka memahami dinamik kehidupan kampung. Walau bagaimanapun, Bruegel tidak membiarkan elemen ini menguasai estetika sebuah kampung di hutan belantara yang sejuk. Salji putih menutupi pemandangan dengan burung gagak bersendirian bertenggek di atas pokok tanpa daun. Hamparan musim sejuk yang luas ditempuhi oleh penduduk kampung yang menjaga api.

dua puluh satu. Pemandangan Toledo Oleh El Greco

Pemandangan Toledo oleh El Greco , 1596, melalui The Met Museum, New York

El Greco lukisan yang menakjubkan di atas Toledo amat mendahului zamannya. Awan besar memanjat ke atas bandar yang menyebarkan kegelapan ke atas alam sekitar. Ia juga mencipta latar belakang untuk bangunan yang berdiri teguh berbanding dengan semak belukar di latar depan. Sungai itu bermula tepat di bawah mata kami di sudut kanan dan kami mengikutinya ke atas jambatan. Tiada seorang pun yang kelihatan, hanya bangunan-bangunan kasar seperti marmar yang merengkok di atas bukit.

Ini adalah lebih lambang daripada pemandangan bandar yang realistik. El Greco nampaknya menawarkan kepada kita gambaran simbolik tentang hubungan kita dengan ilahi, seperti yang dilihat melalui alam semula jadi; awan yang menggembirakan, dan kawasan desa yang mengalir. Kami merasakan awan hampir melancarkan ribut, satu kejadian yang telah menyebabkan bandar merangkak pergi, menuruni lereng bukit. Lukisan ini dengan indah menyatakan makna simbolik antara bandar, seperti yang dibuat oleh manusia, dan kuasa Ilahi.

dua puluh. Kemenangan Bacchus Oleh Diego Velazquez

The Triumph of Bacchus oleh Diego Velazquez, 1628, melalui Museo del Prado, Madrid

Dalam lukisan ini, Velazquez telah menggabungkan tokoh klasik Bacchus dengan orang Sepanyol kontemporari bersuka ria. Apa yang membuatkan lukisan ini menarik ialah bagaimana artis itu bermain dengan perhatian penonton. Sebagai tuhan Bacchus memandang jauh, kedua-dua lelaki itu tersenyum secara sedar ke arah penonton, gembira dapat mengambil bahagian dalam upacara bacchic ini. Malah, dua lelaki ini mengingatkan kami tentang orang yang boleh kami lihat di mana-mana pub tempatan.

Perbezaan Velazquez antara tokoh klasik dan rakyat jelata adalah nyata dan lucu. Bacchus mengalihkan pandangan sambil menobatkan orang biasa dengan daun laurel; pemberian wain, dan bersantai, adalah untuk semua orang. Pandangan dua lelaki itu seakan mengundang, kelihatan tersenyum dan berkata, awak pun sama dengan saya.

19. Mimpi ngeri Oleh Henry Fuseli

Mimpi ngeri oleh Henry Fuseli , 1781, melalui Institut Seni Detroit

Keganasan mimpi ngeri sering disertai dengan berat badan; tekanan yang ditimbulkan oleh beberapa impian ke atas minda dan badan. Imej Fuseli berjaya memberikan bahasa visual kepada siksaan dan sifat mimpi ngeri yang tidak dapat difahami . Seekor gremlin duduk di atas perut wanita itu, melumpuhkannya. Ia adalah jam sihir. Seekor kuda betina hitam menjulurkan kepalanya melalui langsir dengan mata legap. Fuseli memberi penonton pengalaman visual yang menakjubkan tentang bingkai mimpi ngeri yang tidak rasional.

Gaun lembut wanita itu dibuat tegang oleh gremlin yang duduk, sabar dan tidak diketahui dalam pencariannya. Ia bertukar untuk melihat penonton dengan silau yang luar biasa seolah-olah dia mencela penonton kerana mengganggu misinya. Fuseli Mimpi ngeri menunjukkan prestasi imaginasi yang luar biasa dalam mendekati subjek ini dan menghidupkan sesuatu yang kita lebih suka simpan di sebalik tirai.

18. Newton Oleh William Blake

Newton oleh William Blake , 1805, melalui Tate, London

Blake mempunyai gaya individu yang menyimpang dari Neoklasik / Romantikisme zamannya. Imej Blake dibuat dengan simbolisme dan kesederhanaan yang memikat. Inilah yang menjadikan lukisannya begitu menawan. Dalam Newton , Blake berjaya menunjukkan mengapa dia berasa hina terhadap ahli sains yang hebat itu. Newton sedang mengukur objek seperti skrol dan bukannya menyedari warna di belakangnya; dia membongkok, mengukur, bukannya hidup dan memerhati keindahan alam yang tidak dapat dia ukur.

Penggunaan bogel klasik oleh Blake dalam persekitaran yang sukar difahami (sesetengah pengulas percaya dia berada di dasar laut) adalah cara untuk mewakili idea simbolik ini. Blake telah menyamakan bentuk secara halus untuk memberi amaran kepada kita agar tidak membelakangkan peluang dan misteri kehidupan. Jari-jari Newton terbentang seperti kompas; pinggul dan punggungnya berguling seperti gulungan; skrol yang diukurnya seolah-olah mengalir dari tubuhnya sendiri, tanpa warna atau tipu daya.

17. Kematian Sardanapalus Oleh Eugene Delacroix

Kematian Sardanapalus oleh Eugene Delacroix , 1827, melalui The Louvre, Paris

Delacroix 's Kematian Sardanapalus mencipta irama yang menakjubkan dalam lukisan ini dengan menggunakan warna. Merah kaya bermula di penjuru kiri sebelah atas dan tumpah ke bawah secara menyerong. Delacroix telah menggunakan warna yang kaya ini untuk menyamai keganasan yang mengisi tempat kejadian. Mayat terhampar, seorang lelaki menarik kuda yang berpakaian mewah, barang kemas mewah memenuhi latar depan, semuanya terapung di sungai merah ini.

Delacroix tidak meninggalkan banyak ruang tanpa pengawasan; dia telah memenuhinya dengan pergerakan dan langsir untuk meniru suasana lukisan itu. Penonton asyik dengan subjek itu sehingga mereka sampai ke Sardanapalus eponim, berbaring, menonton dengan tenang di atas katil. Dia terletak sangat berbeza dengan peristiwa di latar depan. Lelaki itulah yang akan membunuh diri setelah segala keseronokannya musnah. Detik yang ditangkap oleh Delacroix ini amat memeritkan dan memikat.

16. Ribut Salji – Bot Stim di Luar Mulut Pelabuhan Oleh J.M.W. Turner

Ribut Salji - Bot-wap di luar Mulut Pelabuhan oleh J.M.W. Turner , 1842, melalui Tate, London

Turner terbukti mendahului masanya dengan rendering impresionistik ribut salji ini. Tidak seperti orang sezamannya, dia cuba melukis kesan, secara emosi dan visual, bagaimana rasanya berada dalam ribut salji. Ini membawanya untuk merintis bentuk awal abstraksi . Pusingan warna monokromatik menyelubungi penonton manakala pandangan kejelasan ringkas hanya tertinggal di tengah-tengah kanvas.

Terdapat satu cerita, yang kini dianggap apokrif, bahawa Turner telah diikat pada tiang kapal semasa ribut untuk mengalami keganasan alam semula jadi. Ia boleh dilihat mengapa ini boleh dipercayai. Rendering Turner adalah intuitif dan dramatik, berdenyut dengan tenaga dan subsuming. Ia adalah komposisi cemerlang yang menunjukkan ketidakupayaan manusia untuk menahan keterlaluan alam semula jadi.

lima belas. Burung Murai Oleh Claude Monet

Burung Murai oleh Claude Monet , 1868, melalui Musee D'Orsay, Paris

banyak telah berjaya merakamkan pemandangan kesunyian bersalji dalam lukisan terkenal ini. Hanya beberapa buah rumah boleh dilihat di antara dahan salji; beberapa tapak kaki muncul di hadapan pintu pagar. Cakrawala dikaburkan oleh salji yang menutupi tanah, menjadikannya sukar untuk dilihat dari mana langit bermula. Adegan Monet ialah kesan indah yang berjaya menggambarkan perasaan berjalan-jalan bersendirian pada hari musim sejuk yang cerah.

Murai itu hinggap di pagar, satu-satunya bentuk kehidupan yang jelas dalam lukisan itu. Tidak ada sebab mengapa Monet melukis ini selain fakta bahawa ia menggerakkannya. Pemandangan alam ini boleh menggerakkan kita kerana rasa estetik yang wujud yang bergerak dalam diri kita. Monet tidak perlu mencapai beberapa makna simbolik yang lebih tinggi kerana semuanya ada di hadapannya.

14. Lorong Poplar Oleh Alfred Sisley

Lorong Poplar oleh Alfred Sisley , 1890, melalui, Musee D'Orsay, Paris

Penampilan halus lorong pokok poplar dalam lukisan terkenal ini memikat penonton dengan penggunaan garisan ortogon. Sisley nampaknya menjemput kami menyusuri jalan di antara pokok-pokok yang bercahaya. Dua figura mengambil jalan, tidak menyedari jalan indah yang telah disediakan oleh Sisley untuk kita. Warna kaya yang dikeluarkan oleh cahaya secara beransur-ansur menjadi gelap ke arah titik lenyap.

Sebatang sungai mengalir ke kiri dan beberapa buah rumah boleh dilihat lebih jauh dari kejauhan. Sisley telah melukis ambien yang indah, bermandikan cahaya, pemandangan yang mudah bermeditasi. Tidak ada tergesa-gesa, tidak ada orang ramai yang bersemangat tetapi berjalan santai menyusuri jalan pokok. Bayang-bayang semakin lama, membayangkan bahawa hari itu akan berakhir, untuk masa renungan yang tenang mungkin. Sisley telah menempah kanvasnya dengan kerja berus kecil yang halus, dan warna-warna kelihatan bergabung antara satu sama lain, mencipta dunia yang kaya dengan keindahan yang tenang.

13. Montagne Saint-Victoire Dengan Pine Besar Oleh Paul Cézanne

Montagne Saint-Victoire dengan Pine Besar oleh Paul Cézanne , 1887, melalui The Courtauld Institute of Art, London

Cezanne telah menggambarkan pemandangan ini dengan hebat dengan membina bidang warna untuk mencipta lukisan dengan kedalaman yang luar biasa. Cézanne akan menghabiskan banyak masa cuba memahami persekitaran di mana dia melukis dan cuba memahami cara melukis apa yang dia rasa. Kita boleh melihat bentuk-bentuk di bawah gunung sebagai padang dan rumah, tetapi apabila dilihat lebih dekat, unsur-unsur masing-masing kelihatan bercantum dan bertembung.

Ia adalah sebahagian daripada estetika cantik Cézanne yang memberikan gambaran bentuk yang kelihatan, seperti semasa kita memproses persekitaran kita sambil kita melihat. Fokus kami menjangkau untuk mengambil keseluruhan tetapi didayakan untuk memperincikan butirannya, sebaliknya kami melihat tera yang tidak jelas dan gabungan warna di sekeliling kita.

12. Ladang Gandum Dengan Gagak Oleh Vincent Van Gogh

Ladang Gandum dengan Gagak oleh Vincent van Gogh , 1890, melalui Muzium Van Gogh, Amsterdam

van Gogh telah melukis pemandangan yang mengerikan. Burung gagak dalam lukisan terkenal ini, hanya dua atau tiga sapuan berus, sama ada meninggalkan atau kembali ke ladang gandum. Kehitaman malam kelihatan perlahan-lahan menyelubungi birunya siang; jalan yang jauh dari pandangan. Gaya lukisan Van Gogh berjaya mempengaruhi bentuk dengan baik sehingga kita tahu apa yang kita lihat sementara pada masa yang sama warna kelihatan lebih mengekspresikan daripada yang diperlukan.

Penggunaan warna yang kuat oleh Van Gogh dan kaedah lukisannya bekerjasama untuk menghasilkan lukisan yang penuh emosi. Kehitaman yang meresap masuk melalui langit biru memberitahu kita tentang bencana yang akan berlaku; burung gagak seperti kebimbangan yang memuncak. Resonans emosi Van Gogh yang kuat dengan subjeknya mencipta daya tarikan ini ekspresionisme yang mengubah landskap semula jadi menjadi emosi.

sebelas. Landskap Tahiti Oleh Paul Gauguin

Landskap Tahiti oleh Paul Gauguin , 1891, melalui Institut Seni Minneapolis

Gauguin Lukisan terkenal membawa semangat segar kepada seni abad kesembilan belas lewat. Terdapat melodi indah yang dicipta oleh warna yang kaya. Gauguin telah menguruskan kehangatan daripada skema pewarnaan anti-realistik, dan dalam pengertian ini, lukisan itu lebih realistik untuk sentuhan eksperimen ini. Sosok tunggal itu membawa beberapa bekalan sementara seekor anjing menunggu di tepi jalan. Medan kuning diselangi dengan gradasi hijau dan oren yang kaya. Warna membawa keluar matahari untuk penonton.

Gauguin telah merasa muak dengan Perancis dan telah mengembara ke Tahiti untuk menyegarkan semula keseronokannya untuk melukis dan untuk menghidupkan semula keupayaannya untuk ekspresi. Kita boleh lihat di sini dalam pemandangan landskap yang meriah ini bahawa Gauguin menawarkan alternatif untuk melukis secara semula jadi dengan melukis dengan cara ekspresif ini. Landskap bukan sahaja menyenangkan dari segi estetika dengan kaedah baru ini, tetapi imej mula bertindak sebagai simbol ekspresi bebas, tidak dihalang oleh kawalan terkawal. naturalisme .

10. Awan Merah Jambu, Antibes Oleh Paul Signac

Awan Merah Jambu, Antibes oleh Paul Signac , 1916, melalui Muzium Seni Halus, Boston

Signac Gaya menyerupai mozek dalam warna campurannya yang halus. Ia adalah abstraksi yang hampir sempurna dari alam semula jadi dan pada masa yang sama tergolong dalam mood impresionistik yang mengetahui imej yang menggembirakan ini tidak akan wujud lagi. Awan Signac adalah utusan matahari; ia memegang cahaya dan menyebarkannya ke atas kanvas dalam paparan yang indah. Layar tunggal dikerdilkan oleh saiz, hanyut dengan mudah dalam pantulannya.

Signac senarai pointillist teknik meletakkan kawasan warna yang sangat kecil bersebelahan antara satu sama lain untuk selari dengan penggredan warna yang kita lihat dalam alam semula jadi; bagaimana otak kita memproses kesan cahaya dan warna. Signac membekukan masa ini pada masanya untuk menjadikannya semula sebagai ingatan semula jadi yang mungkin kita miliki tentang belayar yang sunyi.

9. Perpisahan Oleh Edvard Munch

Perpisahan oleh Edvard Munch , 1896, melalui Muzium Munch, Oslo

mengunyah mempunyai keupayaan menusuk untuk meluahkan drama dalaman bukan sahaja kegusaran individu tetapi keghairahan yang wujud antara dua individu. Dalam Perpisahan , lelaki itu terkulai mencengkam pada jantungnya yang seolah-olah tumpah ke tangannya - dia mesti memegangnya di tempatnya untuk terus hidup. Simbol wanita itu kini berubah menjadi persekitaran menjadi sebahagian daripada pantai dan langit. Lukisan terkenal ini adalah metafora yang indah untuk bagaimana ingatan cinta berterusan di dunia fizikal.

Gaya lukisan Munch menekankan emosi dalaman, dan cara emosi dalaman itu bertindak balas dengan dunia di sekeliling kita. Munch tidak perlu mengkaji ketepatan dalam warna atau bentuk untuk dia memaparkan apa yang dia mahu. Dia telah melukis dalam warna blok, memberikan penonton angka yang jelas ini. Kami memahami kebanyakan lelaki itu dengan hanya beberapa butiran wajah; ia lebih kepada warna. Penggunaan cat yang agak 'cuai' menambah perasaan pemisahan yang langsung dan kuat ini.

8. Improvisasi 28 (Versi Kedua) Oleh Wassily Kandinsky

Improvisasi 28 (versi kedua) oleh Wassily Kandinsky , 1912, melalui Muzium Guggenheim, New York

Kandinsky abstraksi sangat berpengaruh pada abad kedua puluh. Ia mempamerkan kualiti estetik bahawa lukisan tidak perlu mempunyai objek untuk membangkitkan emosi dan meditasi. Gelaran Kandinsky untuk lukisan terkenal ini, Improvisasi, mengingatkan penontonnya tentang muzikal tertentu yang dia cuba contohi melalui warna dan garis. Kandinsky pasti sedar tentang penciptaan deria yang wujud yang terdiri daripada persepsi. Dalam Improvisasi 28, kita boleh melihat wajah, mata, landskap, rumah tanpa sebarang ruang yang koheren. Sebenarnya, bentuk yang kita lihat hanyalah garis dan warna yang kita anggap sebagai perkara biasa ini.

Kandinsky meminta penonton untuk menghargai komposisi kerana seseorang menghargai karya muzik. Ia adalah bagaimana seseorang merasakan pergerakan harmonik melalui sekeping, kontras bahagian, dan dinamik bunyi. Kita boleh mencari keindahan juga dalam garis dan warna tanpa sebarang 'makna' atau objek yang koheren.

7. Kuda Biru Besar Oleh Franz Marc

Kuda Biru Besar oleh Franz Marc , 1911, melalui Pusat Seni Walker, Minneapolis

Franz Marc gubahan adalah lata bentuk. Kelembutan yang dia telah menggubah kuda dan dicerminkan dalam persekitaran mewujudkan keharmonian yang sesuai untuk muzik. Marc memperoleh banyak tetapi pewarna anti-realistiknya. Kuda biru itu tenang, megah, hampir syurga. Kepala meragut mereka membangkitkan perasaan senang dan selesa, makan malam dan kebersamaan. Penjajaran warna asas memenuhi penonton dalam ekspresi yang selesa.

Franz Marc telah berjaya menzahirkan ketenangan alam tanpa naturalisme. Pokok gading mengalir melalui kanvas. Tiada apa-apa dalam imej ini kelihatan menggelegar atau memotong. Semuanya mengalir dalam warna sensual ini mewujudkan kesatuan bentuk. Adegan ringkas kuda meragut ini telah diubah menjadi penghargaan alam semula jadi yang harmoni dengan penggunaan warna Marc dalam lukisan terkenal ini.

6. Perjalanan Cemas Oleh Giorgio De Chirico

Perjalanan Cemas oleh Giorgio de Chirico , 1913, melalui MoMA, New York

Chirico Komposisi klaustrofobik membingungkan perspektif kita seperti minda yang cemas memberikan terlalu banyak perhatian kepada dirinya sendiri. Walau bagaimanapun, kekosongan dalam lukisan terkenal ini, walaupun kanvas dipenuhi dengan borang, adalah luar biasa kesannya. De Chirico terkenal dengan gaya misterinya dan di sini kita dapat melihat sebabnya. Kereta api itu mengepulkan asapnya di sebalik dinding bata pendek seolah-olah tidak sabar. Kekuatan dan pemandangan kereta api itu tidak menyenangkan, mengingatkan penonton tentang binatang yang dikurung.

De Chirico adalah sumber pengaruh untuk surealis yang merasakan bahawa dia adalah pendahulu mereka dalam keupayaannya untuk menggambarkan keadaan minda dalaman. Tiang-tiang berbayang-bayangnya penuh dengan misteri, firasat, dan kesunyian. Urutan kanvas adalah ketat dan terhad. Dengan bentuk seni bina, de Chirico telah berjaya membangkitkan sesuatu tentang diri dalaman.

5. Dinamisme Seorang Penunggang Basikal Oleh Umberto Boccioni

Dinamisme Penunggang Basikal oleh Umberto Boccioni, 1913, dalam Koleksi Peggy Guggenheim, Venice

Boccioni's futuris lukisan adalah dalam memuji gerakan dan kelajuan. Terdapat sesuatu yang mulia dalam pelumba basikal yang telah disarikan ke dalam beberapa bentuk. Sama seperti Cubist kaedah, Boccioni bermain dengan cara kita melihat sesuatu bentuk apabila ia sedang bergerak. Ia adalah mengenai menembusi bentuk ruang rasional yang ketat untuk memasuki ruang baharu di mana bentuk telah tidak stabil dan indah.

Boccioni Warna menambah kepada rasa kelajuan ini; ia mewujudkan estetik daripada gerakan. Biru di bahagian atas sebelah kanan mengalir dengan pantas ke tengah di mana ia diimbangi oleh kuning keemasan. Biru itu terus diambil oleh wajah lelaki itu, hanya dikenali oleh garis umum. Putih terpancar dari kuning yang berdenyut, ungu dan biru, seperti kereta api yang membuang asapnya, walaupun ia hanya roda. Pelumba basikal Boccioni bertekad dan cantik, memberikan kami penghargaan visual baharu untuk kelajuan.

Empat. Kekasih Oleh René Magritte

Pencinta-pencinta oleh René Magritte , 1928, melalui MoMA, New York

Magritte adalah seorang yang mahir dalam permainan dan mengikuti jejak de Chirico kerana kekaburan dan resonansnya yang membingungkan. Dalam lukisan terkenal ini, Magritte memikat kita dengan lukisan luar biasa dua figura, kekasih, berciuman. Mereka tidak pernah menyentuh kerana kepala mereka dibalut dengan cadar putih. Apa yang boleh kita buat tentang ini? Kita tidak perlu membuat apa-apa, walaupun minda sudah terbiasa melakukannya - adakah ia mengenai ketidakupayaan untuk dua individu untuk tidak pernah benar-benar melihat antara satu sama lain, memahami antara satu sama lain?

Gaya lukisan Magritte yang sangat realistik mencipta peluang yang sempurna untuk mengganggu realisme ini dengan menggunakan enigma. Imej Magritte adalah lucu. Ciuman itu, yang kelihatan begitu ghairah, jatuh rata untuk memberi kesan. Terdapat keyakinan dalam kedua-dua kekasih yang menjadikan cadar putih lebih tidak masuk akal. Magritte menikmati teka-teki psikologi dan falsafah dan dia mempunyai kebolehan yang menakjubkan untuk menghasilkan semula teka-teki tersebut ke atas kanvas.

3. Guernica Oleh Pablo Picasso

Guernica oleh Pablo Picasso , 1937, melalui Muzium Pusat Seni Negara Reina Sofia, Madrid

Picasso rendition pengeboman 1936 Guernica adalah simbol kemusnahan yang kuat. Picasso menyedari bahawa naturalisme tidak akan menggambarkan pengalaman keganasan dengan berkesan seperti kaedah Cubistnya. Kanvas itu memberi kesan kepada kita sebagai huru-hara dan sukar untuk ditafsirkan; penggunaan monokromatisme, bentuk longgar, separa, dan herotan rajah. Bentuk-bentuk itu diratakan dan berpecah-belah di dalam bangunan yang satu ini.

Realiti kemusnahan telah memusnahkan cara perwakilan. Picasso merasakan bahawa apa-apa jenis naturalisme akan meletakkan alasan dan artifisial ke dalam kanvas yang akan menghilangkan makna, dan kuasa, untuk Picasso. Pengeboman dan pemusnahan adalah pemecahan bentuk, menyebabkan huru-hara.

dua. Metamorfosis Narcissus Oleh Salvador Dali

Metamorfosis Narcissus oleh Salvador Dali , 1937, melalui Tate, London

Meditasi Dalí pada Mitos Narcissus ialah imej yang sangat tepat tetapi sukar difahami. Dalí berminat dengan cara kita melihat, dan apa yang kita buat terhadap persepsi kita. Kita dapat melihat penggunaan pengambilan ganda oleh Dalí, di mana kita melihat objek sebagai sesuatu yang lain sebelum kita menyedari apa itu. Walaupun, untuk Dalí dan surealis , mereka akan tertanya-tanya persepsi mana yang 'sebenar,' dan apa yang tidak sedarkan diri kita beritahu; bagaimana kita menipu diri sendiri.

Gaya lukisan Dalí, yang dia panggil 'fotografi warna yang dilukis dengan tangan,' merangkumi kedua-dua realiti dan khayalan. Sosok berbatu Narcissus bertukar menjadi tangan yang memegang telur, yang berbunga narcissus. Dalí membezakan masa berlalu dengan persepsi, nyata atau tertipu, untuk memberikan penerokaan visual baharu mitos Narcissus – mitos yang mempunyai banyak kaitan dengan persepsi. Ia adalah tentang bagaimana kita melihat diri kita dan bagaimana orang lain melihat kita.

1. Nighthawks Oleh Edward Hopper

Nighthawks oleh Edward Hopper , 1942, melalui Institut Seni Chicago

Hopper Lukisan terkenal di sini mengingatkan de Chirico dalam rasa kesepian yang ditimbulkan oleh seni bina. Hopper, bagaimanapun, telah memilih untuk realisme untuk mencapai kesan ini. Tingkap besar memaparkan beberapa orang pada waktu malam di bawah cahaya buatan dan jalan di luar terasa sejuk, kosong dan tanpa bunyi. Kedua-dua lelaki di bar itu kelihatan bercermin antara satu sama lain, seorang wanita berpakaian merah kelihatan kosong, dan seorang lelaki tua menjaga bar.

Ada perasaan stagnasi yang tidak dapat dinafikan. Sehingga meresahkan penonton. Hopper telah menaikkan bar masa kecil untuk mewakili sesuatu yang menarik tentang kehidupan manusia; tentang kesunyian dan kesunyian; tentang menunggu; tentang bagaimana masa kita dihabiskan di malam yang menyendiri. Realisme Hopper membawa pulang ini dengan kuat. Pandangan yang terhad, seolah-olah ditangkap semasa berjalan, nampaknya menekankan keterpencilan keperibadian ini.

Rasa Ingin Tahu Lukisan Terkenal

Apabila kita meneroka lukisan terkenal, kita sedang mencari rasa estetik kita sendiri dan bagaimana ini mencerminkan pemahaman kita sendiri tentang diri kita dan dunia. Kita sering ditunjukkan lukisan terkenal yang telah dilihat, dalam konteks budaya yang lebih luas, untuk membangkitkan perasaan keindahan dan pengalaman yang kita semua boleh kaitkan. Walau bagaimanapun, lukisan ini kadang-kadang tidak mendekati perasaan dunia kita sendiri. Kita perlu menjalankan pendidikan lukisan tidak rasmi kita sendiri untuk mencari dan menghargai bahasa visual kita sendiri.